BIOGRAFÍA

Eruoma Awashish es miembro de la Nación Atikamekw Nehirowisiw y creció en su comunidad natal de Opitciwan. Ahora vive en Pekuakami (Lac-Saint-Jean) y su estudio está en la comunidad Ilnu de Mashteuiatsh. Su trabajo se caracteriza por la espiritualidad y su enfoque artístico tiene como objetivo crear espacios de diálogo y facilitar la comprensión de la cultura de las Primeras Naciones. Descolonizar lo sagrado está en el centro de su práctica.

Participó en la 4° edición de la Bienal de Arte Nativo Contemporáneo (BACA) en 2018 y presentó una instalación en el Museo de Bellas Artes de Montreal en el invierno de 2017-2018, proyecto que se había desarrollado como parte del laboratorio “Déranger” en asociación con la Junta Nacional de Cine de Canadá (NFB) y el Centro de Arte Oboro. Su enfoque artístico tiene como objetivo crear espacios para el diálogo y así facilitar la comprensión de las culturas de las Primeras Naciones. La identidad y lo sagrado están en
el corazón de su enfoque.

 

DECLARACIÓN DEL ARTISTA

El trabajo de Michel Boulanger se centra en la transformación del paisaje a través del despliegue de tecnologías, particularmente en la agricultura industrial. Rompiendo con las representaciones estereotipadas del mundo rural, sus obras subrayan la extrañeza de los paisajes marcados por la creciente industrialización. En la obra de Michel Boulanger, el dibujo constituye el punto central de un enfoque multidisciplinario que, sin dejar de estar muy ligado al trabajo manual, integra tecnologías digitales y extiende la imagen dibujada en el espacio, el objeto y el tiempo.

BIOGRAFÍA

Michel Boulanger, nacido en Montmagny, Québec, es un artista multidisciplinario que vive y trabaja en Montreal. Tiene una maestría en Artes Visuales de la Université du Québec à Montréal (1992) y una licenciatura en Artes Visuales de la Université du Québec à Chicoutimi (1984). Michel Boulanger ha participado en varias exposiciones en Canadá y en países de ultramar, como Reino Unido, Francia, España, Estados Unidos y México. En 2004, su trabajo se presentó en una exposición individual en el Musée d'art contemporain de Montréal. Sus obras, además, pertenecen a varias colecciones públicas y privadas. Miembro fundador de Galerie B-312, es profesor en la École des arts visuels et médiatiques de l’UQAM donde puso en marcha Grupmuv, un laboratorio de investigación-creación dedicado al dibujo y la imagen en movimiento con los profesores Gisèle Trudel y Thomas Corriveau.

 

RDECLARACIÓN DEL ARTISTA

En 2011 comencé a realizar pinturas de árboles simétricos a partir de mis foto-collages. Las obras resultantes son algo alucinantes, tanto decididamente realistas como sobrenaturales.

Mis pinturas se caracterizan por un compromiso con la alquimia de la pintura figurativa, así como un compromiso apasionado con el lenguaje de la pintura. Como pintora, estoy fuertemente influenciada por la historia del arte, así como por la pintura devocional india y el arte indígena de la costa noroeste del Pacífico, de donde soy originaria.

Las pinturas de mi exposición Delirium intentan ocupar un espacio entre dos percepciones para enfatizar la mutabilidad de la percepción y permitir una reconciliación entre lo mundano y lo milagroso.

BIOGRAFÍA

Renée Duval vive y trabaja en Montreal. Nacida en la Columbia Británica, se graduó con honores de Emily Carr College of Art (1986) y completó un M.F.A. en la Universidad de Corcordia en Montreal. (1991) Su trabajo se ha exhibido en todo Canadá y ha participado en exposiciones en los Estados Unidos y Francia. Su obra se encuentra en numerosas colecciones tanto públicas como privadas y ha recibido varias subvenciones tanto del Canada Council for the Arts como del Conseil des Arts et des Letras de Quebec. El trabajo de Renée fue incluido en las publicaciones Carte Blanche Vol 2-Painting (2008) y El Concurso de Pintura RBC: 10 años (2008). Desde 1997 es directora de exposiciones de Galería McClure del Centro de Artes Visuales.

El trabajo de Renée Duval está representado en Calgary por la Herringer Kiss Gallery: www.herringerkissgallery.com.

 

DECLARACIÓN DEL ARTISTA
Declaración de Horizon Felt

Las fotografías de Horizon Felt, tomadas en el Polo Norte y Sur, utilizan el color para crear nuevas cartografías de las regiones polares. Usando el horizonte y los colores de la tierra y los animales como puntos de referencia, coloqué fieltro de diferentes colores frente a mi lente mientras fotografiaba el Alto Ártico Canadiense y la Península Antártica. Los puestos avanzados abandonados, las estaciones científicas remotas y los glaciares en retirada hablan de la vida de los lugares y la materia histórica que les da forma. Estas fotografías hacen un balance de las historias incrustadas de los polos y su enredo del colonialismo, el capitalismo y la injusticia ambiental, al tiempo que abren un espacio para repensar lo "natural".

Los colores tomados de algas, musgo, bayas, barcos, lápidas, sellos, banderas, todos interrumpen las nociones de un espacio polar blanco deshabitado. Las convergencias entre las especies y los espacios humanos y más allá de los humanos revelan que estamos materialmente incrustados en nuestro entorno, tanto como lo está dentro de nosotros. El color interrumpe el lenguaje visual, al mismo tiempo que mantiene una vista larga. Estamos implícitos en esta yuxtaposición de puntos de vista, ya que nuestra capacidad de pensar más allá de nosotros mismos es fundamental para nuestra agencia colaborativa al imaginar posibilidades alternativas.

BIOGRAFÍA

Jessica Houston ha viajado de polo a polo a través de objetos, narraciones orales, fotografía y pintura para evocar enredos entre el colonialismo, el globalismo y nuestra crisis ambiental actual. Ha trabajado con comunidades en el Ártico canadiense, la Antártida, Islandia e Italia para construir conocimiento en colaboración a través de un espectro humano y más allá del humano. La variedad de voces involucradas, incluidos poetas, pingüinos y filósofos, revela la materia histórica de estas regiones. Su práctica dibuja el tiempo hacia adelante y hacia atrás, y utiliza el arte como un sitio para el imaginario, que tanto reconoce y resiste las actitudes coloniales mientras imaginamos colectivamente futuros posibles.

Houston ha creado obras específicas de sitio para el MOCA de Nueva Jersey, Asbury Park, Nueva Jersey; el Castello di Corigliano, Puglia, Italia; Isla de los Gobernadores, Nueva York, Nueva York; y el aeropuerto de Albany, Albany, NY. Exposiciones individuales selectas incluyen el Museo Arktikum, Rovaniemi, Finlandia; Galerías Art Mûr y Ocurrence, Montreal, Canadá; Museo de la Casa Latimer, Nueva York, NY; y el vanderbilt Galería de Bellas Artes de la Universidad, Nashville, TN (próximamente). Ha recibido financiación de The Canada Council for the Arts y su trabajo se encuentra en las colecciones del Museo de Bellas Artes de Montreal; Pret d'oeuvres d'art, Musée National Des Beaux-Arts du Quebec; Bibliothèque et Archives nationales du Québec (BAnQ), Montreal, Québec; Banco de Montreal, Toronto; y el Consulado General de Mónaco, Montreal. Ha sido invitada a la Residencia de la Fundación Albers (Bethel, CT); Centro SAGAMIE, Residencia de Investigación + Creación (Alma, QC); Centro CAMAC de Arte, Ciencia y Tecnología (Marnaysur-Sena, Francia); y NES Artist Residency (Skagaströnd, Islandia).

 

DECLARACIÓN DEL ARTISTA

La práctica artística de Yoanis Menge está anclada en un enfoque documental. También es miembro de una generación más joven de fotógrafos surgidos del género documental social que asumen una posición de autor, radicalmente opuesta al papel de los fotoperiodistas. Menge reivindica con razón la tradición quebequense de cineastas directos y sensibles como Pierre Perreault y Michel Brault. Su serie de imágenes aborda diferentes aspectos del paisaje geográfico y social de los lugares que visita o vive. Se ocupan de problemas locales que han afectado a comunidades específicas con realidades únicas. Menge está principalmente interesado por su tema. Está íntimamente involucrado y comprometido, buscando cultivar una proximidad a largo plazo para los problemas sociales que le preocupan.

Las series fotográficas Aqiaruk y Hakapik destacan actividades relacionadas con la caza de focas en las regiones del norte de Canadá. Fotografías en blanco y negro, con encuadres ajustados y muy contrastados, nos adentran en la realidad de sus comunidades cinegéticas. Infiltrada en su cotidianidad, Menge logra transmitir imágenes fuertes y sensibles, impresas con veracidad.

BIOGRAFÍA

Yoanis Menge estudió fotografía en el Cégep de Matane. De 2006 a 2010, siguió su educación en la agencia Magnum Photos en París como asistente de los fotógrafos Josef Koudelka y Bruno Barbey. Ha recibido varios premios y becas. Actualmente está trabajando en un proyecto de investigación y creativo (Mobilizing Inuit Cultural Heritage) en Pond Inlet, Nunavut, con la Universidad de York de Toronto. En 2016, publicó su primer libro: Hakapik. Actualmente está trabajando en las comunidades del norte de Nunavik y Nunavut. Su obra ha sido exhibida en Canadá y en el extranjero y forma parte de varias colecciones públicas y privadas, especialmente el Museo Pointe-à-Callière en Montreal y la Colección de Arte Arrimage, IDLM.

 

DECLARACIÓN DEL ARTISTA

Durante casi veinte años, he centrado mi atención en unos pocos kilómetros cuadrados de zona boscosa al pie del Mont Mégantic cerca de La Patrie, un pueblo en el sureste de Québec, Canadá. Camino por este sitio, temporada tras temporada, año tras año, buscando señales de cambio; desde el crecimiento de la vegetación hasta las huellas dejadas por la actividad animal.

Dejando atrás la investigación o la documentación previa, mi enfoque se centra principalmente en la observación cercana de las cosas. Esta práctica intuitiva me llevó gradualmente a redefinir mi relación con la naturaleza. Con el tiempo se fue creando un vínculo íntimo entre este territorio y yo. La evolución que observo en estos lugares se alinea con la mía y, por lo tanto, se transpone a mi trabajo. Dada la recurrencia de esta tierra en mi práctica, tengo el desafío continuo de renovar mi mirada para permanecer abierta a lo que encuentro. Los descubrimientos llevan a otros; emergen nuevos caminos a medida que continúo mis exploraciones. Me convierto, en cierto modo, en el testigo de la tierra y en el guardián de las huellas que capturo fotográficamente.

Normand Rajotte
“Si bien utiliza el paisaje como tema general, hay, en las sutilezas del trabajo de Rajotte, una dimensión íntima y meditativa del territorio. Existe en los huecos de las superficies y materiales; cuya representación va mucho más allá de lo visible. Ya no estamos ante la descripción objetiva de un paisaje. Más bien, encontramos su potencial sugerente donde se articulan el misterio, la extrañeza y el descubrimiento. Este enfoque singular es más parecido al del explorador. Representa una experiencia perceptiva que explora la finalidad de nuestras propias observaciones de las cosas”.
-Mona Hakim, Historiadora del Arte.

BIOGRAFÍA

Fotógrafo autodidacta, su práctica se inició en el género del documental social. Este enfoque directo ha perdurado a lo largo de su práctica. En 1978, Éditions Ovo publicó un ensayo, Transcanadienne Sortie 109, sobre la vida cotidiana de Drummondville, su propia ciudad obrera, de la que fue coautor. Este proyecto fue una de las raras publicaciones de este tipo para su época.
A principios de la década de 1980, Rajotte adoptó un enfoque más introspectivo centrado en la autoconciencia y una relación renovada con la naturaleza a través de la fotografía de paisajes.

Con este nuevo enfoque produjo varias series: Dans les coins oubliés, à la recherche des dieux tranquilles (1983-1988); Des après-midi sans bruit (1989-1993); Entrer dans les terres (1997-1998). Esta serie sería el foco de varias exposiciones, y muchos extractos de estos trabajos luego se incluyeron en un libro titulado Marcher sa trace, publicado en 2004 por Éditions Les 400 coups (Montreal). La serie Comme un murmure (2004-2011) fue presentada en particular en Mois de la photo de Montréal 2011 y publicada por Editions Kehrer en 2016 (Heildelberg). Más recientemente, Rajotte ha completado dos nuevas series: Le chantier (2010-2014) y Carcasse (2015-2017).

Desde 1997, el trabajo de Rajotte se ha centrado en el lote núm. 126, una sola área de bosque al pie del Mont Mégantic en los Municipios del Este. Ha pasado tiempo explorando esta área durante muchos años. Actualmente está trabajando en una nueva serie.

Su trabajo ha sido apoyado por el Consejo de las Artes de Canadá y el Conseil des arts et des lettres du Québec, desde finales de la década de 1970. Su trabajo fotográfico aparece en muchas colecciones públicas y privadas en Quebec y en todo Canadá, incluido el Museo Canadiense de Fotografía Contemporánea (Ottawa), el Museo Nacional de Bellas Artes de Quebec (Quebec) y el Museo de Bellas Artes de Montreal. Rajotte también está bien representada en las principales colecciones corporativas, incluidas Hydro-Québec y Desjardins.

 

ADECLARACIÓN DEL ARTISTA - DECLARACIÓN DEL PROYECTO

Le temps qu’il faut continúa mi trabajo explorando el museo, la colección y el archivo. La instalación se basa en grabaciones de vídeo y audio de las diecisiete colecciones del Morgan Arboretum, una reserva forestal de 245 hectáreas situada en el extremo occidental de la isla de Montreal. Explorando la idea del arboreto como un museo viviente, filmado durante un período de cinco meses desde la primavera hasta el otoño, el video registra cambios graduales en la vida de plantas, insectos y animales a medida que cambian las estaciones. Si bien cada secuencia tiene su propio arco narrativo visual y auditivo, la banda sonora cuenta la historia del fin de la idea de la naturaleza como refugio, y el reflejo de las imágenes de video proyectadas anima la brecha entre la naturaleza y sus representaciones.

BIOGRAFÍA

Anne Ramsden es una artista multidisciplinaria que vive en la isla de Vancouver, Columbia Británica. Basada en el arte conceptual, las teorías feministas y críticas, su trabajo explora las conexiones entre las manifestaciones de lo cotidiano, el museo y la colección. Ha expuesto su obra en América del Norte, Europa, Escandinavia y Asia. Su obra se encuentra en colecciones privadas y públicas como el Musée d'art contemporain de Montreal, Galería Nacional de Canadá, Musée Régionale de Rimouski, Galería de Arte de Vancouver, Galería de Arte de Nueva Escocia, Galerie de l'Université du Québec à Montréal y Morris and Helen Belkin Art Gallery en Vancouver. Durante la década de 1980, Ramsden también estuvo involucrada en la comunidad artística de Montreal como cofundadora de Artexte y asistente editorial en la revista "Parachute”. Enseñó en la Escuela de Artes Contemporáneas de la Universidad Simon Fraser en Vancouver de 1987 a 1998, y en la Université du Québec à Montréal, donde enseñó en la École des arts visuels et médiatiques de 1998 a 2017.