Una exposición organizada en torno a los temas del paisaje y la naturaleza. Cinco artistas invitados: Normand Rajotte filma el bosque de Quebec por la noche y nos sorprende con su captura de animales salvajes. Yoanis Menge fotografía la comunidad del extremo norte y sus paisajes. Por sus composiciones simétricas, Renée Duval, pintora, transforma los pétalos de flores en personajes a veces monstruosos, a veces dioses o diosas. Anne Ramsden nos rodea con tres pantallas gigantes que ofrecen un bosque verde para crear una atmósfera de meditación y reflexión. Guy Laramée crea esculturas, hechas a partir de libros tallados que toman forma de tranquilos paisajes y hermosas esculturas ancestrales.

ANNE RAMSDEN

Anne Ramsden es una artista multidisciplinaria con residencia de Vancouver Island en British Columbia. Basada en el arte conceptual, las teorías feministas y críticas, su trabajo explora las conexiones entre las manifestaciones de lo cotidiano, el museo y la colección. Ella ha exhibido su trabajo en América del Norte, Europa, Escandinavia y Asia. Su obra se conforma en colecciones privadas y públicas como el Museo d'art contemporain de Montréal, Galería Nacional de Canadá, Musée Régionale de Rimouski, Galería de Arte de Vancouver, Galería de Arte de Nueva Escocia, Galerie de l'Université du Québec à Montréal y Morris and Helen Belkin Art Gallery en Vancouver Durante la década de 1980, Ramsden también participó en la actividad de la artística comunidad de Montreal como cofundadora de Artexte y asistente editorial en la revista Parachute. Ella enseñó en la escuela de Simon Fraser University for the Contemporary Arts en Vancouver de 1987 a 1998, y en la Université du Québec à Montréal donde enseñó en la École des arts visuels et médiatiques de 1998-2017.

Declaración del artista
Le temps qu’il faut continúa mi trabajo explorando el museo, la colección y el archivo. La instalación se basa en grabaciones de video y audio de diecisiete colecciones en el Morgan Arboretum, una reserva forestal de 245 hectáreas situado en el extremo occidental de la isla de Montreal. Explorando la idea de la arboretum como museo vivo, filmado durante un período de cinco meses desde la primavera hasta Otoño, el video registra cambios graduales en la vida de las plantas, insectos y animales a medida que cambio de estaciones Si bien cada secuencia tiene su propio arco narrativo visual y auditivo, la banda sonora cuenta la historia del fin de la idea de la naturaleza como refugio, y el reflejo de las imágenes de video proyectadas anima la brecha entre la naturaleza y su representaciones.

 
RENÉE DUVAL

Renée Duval vive y trabaja en Montreal. Nacida en Columbia Británica, se graduó con honores de Emily Carr College of Art (1986) y completó un M.F.A. en la Universidad de Corcordia en Montreal (1991) Su trabajo ha sido exhibido en todo Canadá y ha participado en exposiciones en los Estados Unidos y Francia. Su trabajo se puede encontrar en numerosos públicos también como colecciones privadas y ha recibido varias subvenciones tanto del Consejo de Canadá para Arts, así como el Conseil des Arts et des Lettres du Quebec. El trabajo de Renée fue incluido en el publicaciones Carte Blanche Vol 2-Painting (2008) y The RBC Painting Competition: 10 años (2008) Desde 1997 es Directora de Exposiciones de la Galería McClure de las Artes Visuales Centrar.

En 2011, comencé a hacer pinturas de árboles simétricos basados en mis fotos-collages. Los resultados de las obras son algo alucinantes, tanto realista como preternatural.

Mis pinturas se caracterizan por un compromiso con la alquimia de la pintura representación, así como un compromiso apasionado con el lenguaje de la pintura. Como pintor, soy fuertemente influenciado por la historia del arte, así como por la pintura devocional india y el Arte indígena de la costa noroeste del Pacífico de donde soy originario.

Las pinturas en mi exposición Delirium intentan ocupar un espacio entre dos percepciones para enfatizar la mutabilidad de la percepción y permitir la reconciliación entre lo mundano y lo milagroso.

 
NORMAND RAJOTTE

Normand Rajotte nació en 1952, en Drummondville, Quebec, Canadá. Vive y trabaja en Montreal y en los municipios de Eastearn. Fotógrafo autodidacta, su práctica comenzó en el género documental social. Este enfoque directo ha perdurado a lo largo de su práctica.

En 1978, Éditions Ovo publicó un ensayo, Transcanadienne Sortie 109, sobre la vida cotidiana de Drummondville, su propia ciudad de clase trabajadora, de la que fue coautor. Este proyecto fue una de las pocas publicaciones de este tipo para su época.

A principios de la década de 1980, Rajotte adoptó un enfoque más introspectivo centrado en la autoconciencia y una relación renovada con la naturaleza a través de la fotografía de paisajes.

Con este nuevo enfoque, produjo varias series: Dans les coin oubliés, à la recherche des dieux tranquilles / En rincones olvidados, en busca de dioses tranquilos (1983-1988); Des après-midi sans bruit / Tardes tranquilas (1989-1993); Entrer dans les terres / Entering the land (1997-1998). Estas series serán el foco de varias exposiciones, y muchos extractos de estas obras se incluirán más tarde en un libro titulado Marcher sa trace / Walking in my foot prints, publicado en 2004 por Éditions Les 400 coups (Montreal). La serie, Comme un murmure / Like a whisper (2004-2011), se presentó notablemente en Mois de la photo de Montréal 2011 y publicada por Editions Kehrer en 2016 (Heidelberg).

Más recientemente, Rajotte ha completado dos nuevas series: Le chantier (2010-2014) y Carcasse / Carcass (2015-2017).
Desde 1997, el trabajo de Rajotte se ha centrado en el lote no. 126, una sola área de bosque al pie del Mont Mégantic en los municipios del este. Ha pasado tiempo explorando esta área durante muchos años. Actualmente está trabajando en una nueva serie.

Su trabajo ha sido apoyado por el Consejo de las Artes de Canadá y el Conseil des arts et des lettres du Québec, desde finales de los años setenta. Su trabajo fotográfico aparece en muchas colecciones públicas y privadas en Quebec y en todo Canadá, incluido el Museo Canadiense de Fotografía Contemporánea (Ottawa), el Museo Nacional de Bellas Artes de Quebec (Quebec) y el Museo de Bellas Artes de Montreal. Rajotte también está bien representado en las principales colecciones corporativas, incluidas Hydro-Québec y Desjardins.

Declaración del artista
Durante casi veinte años, he centrado mi atención en unos pocos kilómetros cuadrados de área boscosa al pie del Mont Mégantic, cerca de La Patrie, un pueblo en el sureste de Quebec, Canadá. Recorro este sitio, temporada tras temporada, año tras año, en busca de signos de cambio; desde el crecimiento de la vegetación hasta las huellas dejadas por la actividad animal.

Dejando atrás la investigación o documentación previa, mi enfoque se centra principalmente en la observación cercana de las cosas. Esta práctica intuitiva me llevó gradualmente a redefinir mi relación con la naturaleza. Con el tiempo, se creó un vínculo íntimo entre este territorio y yo. La evolución que observo en estos lugares se alinea con la mía y, por lo tanto, se transpone a mi trabajo. Dada la recurrencia de esta tierra en mi práctica, me retan continuamente a renovar mi mirada para permanecer abierto a lo que encuentro. Los descubrimientos conducen a otros; Surgen nuevos caminos a medida que continúo mis exploraciones. De alguna manera, me convierto en el testigo de la tierra y el guardián de los rastros que capturó fotográficamente.

“Si bien utiliza el paisaje como un tema general, en las sutilezas del trabajo de Rajotte existe una dimensión íntima y meditativa del territorio. Existe en los huecos de las superficies y materiales; cuya representación va mucho más allá de lo visible.

Ya no nos enfrentamos a la descripción objetiva de un paisaje. Más bien, encontramos su potencial sugerente donde se articulan misterio, extrañeza y descubrimiento. Este enfoque singular es muy similar al del explorador. Describe una experiencia perceptiva que explora la finalidad en nuestras propias observaciones de las cosas.”
-Mona Hakim, Historiadora del Arte.

 
YOANIS MENGE

La práctica artística de Yoanis Menge está anclada en un enfoque documental. También es miembro de una generación más joven de fotógrafos del género documental social que toman una posición de autor, radicalmente opuestos al papel de los fotoperiodistas. Menge afirma con razón la tradición quebequense de directa y sensible cineastas como Pierre Perreault y Michel Brault.

Su serie de imágenes aborda diferentes aspectos del paisaje geográfico y social de los lugares que visita o vive. Se ocupan de problemas locales que han afectado a comunidades específicas con realidades únicas. Menge está principalmente interesado por su tema. Está íntimamente involucrado y comprometido, buscando cultivar una proximidad a largo plazo para los problemas sociales de su interés.

La serie fotográfica Aqiaruk y Hakapik destacan actividades relacionadas con la caza de focas en las regiones del norte de Canadá. Fotografías en blanco y negro, con marcos ajustados y altamente contrastados, nos impulsan a la realidad de sus comunidades de cazadores. Infiltrado en su vida cotidiana, Menge logra transmitir imágenes fuertes y sensibles, impresas con veracidad.

Yoanis Menge estudió en Cégep de Matane en fotografía. De 2006 a 2010, siguió su educación en la Agencia Magnum Photos en París como asistente de los fotógrafos Josef Koudelka y Bruno Barbey. Recibió varios premios y becas. Actualmente está trabajando en un proyecto creativo y de investigación en Pond Inlet, Nunavut, con la Universidad de York de Toronto, Mobilizing Inuit Cultural Heritage. En 2016, publicó su primer libro: Hakapik. Él está actualmente trabajando en las comunidades del norte de Nunavik y Nunavut. Su obra ha sido expuesta en Canadá y en el extranjero y forma parte de varias colecciones privadas y públicas, especialmente el Museo Pointe-à-Callière en Montreal y la Colección de Arte Arrimage, IDLM.

 
GUY LARAMÉE

En el transcurso de sus 30 años de práctica, el artista interdisciplinario Guy Laramée ha creado en disciplinas tan variadas y numerosas, como la escritura y dirección teatral, composición de música contemporánea, diseño y construcción de instrumentos musicales, canto, video, escenografía, escultura, instalación, pintura, y literatura. Ha recibido más de 30 subvenciones artísticas y recibió el premio Joseph S. Stauffer del Consejo de Canadá por composición musical. Su trabajo ha sido presentado en Estados Unidos, Bélgica, Francia, Alemania, Suiza, Japón y América Latina.

Aunque su obra ha sido presentada en museos y galerías (Marche de Nuit, organizada por el Museo de Arte Contemporáneo de Montreal, 94; «Quelle belle journée pour mourir!», Méduse 1997), su aparición en el contexto de la exposición de la galería es relativamente nueva (2004 ) Sin embargo, a finales de 2011 su trabajo habrá sido incluido en 15 exposiciones individuales y más de 20 colectivas. La mitad de estos han estado en exhibiciones internacionales.

Declaración del artista
La erosión de las culturas, y de la "cultura" en su conjunto, es el tema que recorre los últimos 25 años de mi práctica artística. Las culturas emergen, se vuelven obsoletas y son reemplazadas por otras nuevas. Con la desaparición de las culturas, algunas personas son desplazadas y destruidas. Actualmente se nos dice que el libro de papel está destinado a morir. La biblioteca, como lugar, está terminada. Uno podría preguntar ¿y qué? ¿Realmente creemos que las "nuevas tecnologías" cambiarán cualquier cosa relacionada con nuestro dilema existencial, nuestra condición humana? E incluso si pudiéramos cambiar el contenido de todos los libros en la tierra, ¿cambiaría esto algo en relación con el dominio del conocimiento analítico sobre el conocimiento intuitivo? ¿Qué hay en nosotros que insiste en agarrar, en convertir el flujo de experiencia en conceptos?

Cuando era más joven, estaba muy molesto con las ideologías del progreso. Quería destruirlas demostrando que todavía somos primitivos. Tenía la profunda intuición de que, como especie, no habíamos evolucionado tanto. Ahora veo que nuestra creencia en el progreso proviene de nuestra fascinación por el contenido de la conciencia. A pesar de las apariencias, nuestra obsesión actual por cambiar las formas en que accedemos a la cultura no es más que una manifestación de esta fascinación.

Mi trabajo, tanto en 3D como en pintura, se origina en la idea misma de que el conocimiento final bien podría ser una erosión en lugar de una acumulación. El título de una de mis piezas es "Todas las ideas se parecen". El arte contemporáneo parece haber olvidado que el intelecto tiene un exterior. Quiero examinar el pensamiento, no solo "qué" pensamos, sino "eso" que pensamos.

Entonces esculpo paisajes de libros y pinto paisajes románticos. Las montañas de conocimiento en desuso regresan a lo que realmente son: montañas. Se erosionan un poco más y se convierten en colinas. Luego se aplanan y se convierten en campos donde aparentemente no sucede nada. Las pilas de enciclopedias obsoletas vuelven a lo que no necesita decir nada, lo que simplemente ES. Las nieblas y las nubes borran todo lo que sabemos, todo lo que creemos que somos.

Después de 30 años de práctica, lo único que todavía deseo que haga mi arte es esto: proyectarnos en esta espesa "nube de desconocimiento".

 

 

| arriba |

 

 

 

---

---