| Programa general | Ciclo "La guitarra y España" |

Alfonso Aguirre Dergal
Guitarrista

Lunes 29 de mayo, Sala de Cámara Teatro Degollado
Hora: 20:30 Hrs.

PROGRAMA

Preludio BWV 1006a en mi mayor de Johann Sebastián Bach (1685-1750) Sonata K. 380/L. 23 Sonata K. 491/L. 164 de Domenico Scarlatti (1685-1757) Gran Tremolo Las Abejas de Agustín Barrios Mangoré (1885-1944) Tarantelle, Op. 13, No. 6 de Johann Kaspar Mertz (1806-1856) Intermedio Capriccio Diabólico de Mario Castelnuovo-Tedesco (1895- 1968) (Homenaje a Paganini) Pinceladas Nocturnas de Ernesto Cordero (n. 1946) (Homenaje a Vincent Van Gogh) Aquarelle de Sergio Assad (n.1952) -Preludio e toccatina Usher Waltz, Op.29 de Nikita Koshkin (n. 1956)

Originario de Guadalajara, Jalisco, Alfonso es uno de los guitarristas clásicos mexicanos más destacados de su generación. Ha sido premiado en prestigiados concursos nacionales e internacionales de guitarra, entre los que se encuentran el “2004 Appalachian Guitar Festival and Competition” en USA; el Festival y Concurso Internacional de Guitarra de Taxco, y el Concurso Nacional de Intérpretes de Guitarra que se celebra anualmente en Paracho, Michoacán, en el cual ganó el Primer Lugar en ambas categorías: para guitarristas menores de 20 años en el año 1999, y para guitarristas mayores de 20 años en el año 2001.
En la primera etapa de su formación, sus principales maestros fueron Juan Montoya Martín del Campo y Fernando Corona. En 1997 ingresó a la Escuela de Música de la Universidad de Guadalajara, en donde estudió con los maestros Fernando Martínez Peralta y Hugo Gracían, y con el concertista David Mozqueda, quien fue su maestro durante más de tres años.

Ha asistido a más de una docena de festivales internacionales de guitarra en Mexico, Cuba y Estados Unidos, en donde ha recibidos cursos de perfeccionamiento guitarrístico con artistas de la talla de Manuel Barrueco, Leo Brouwer, David Tenenbaum, Adam Holzman, Odiar Assad, Ricardo Cobo,  Eduardo Fernandez, Roberto Aussel, Iván Rijos, Raphaella Smits y Maria Esther Guzmán, entre otros.
Se ha presentado en México y el extranjero en recintos como la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, en la Ciudad de México; la Universidad Michoacana de Bellas Artes, en Morelia; el Guzzetta Recital Hall en Akron, Ohio; el Howard Hanson Hall, en Rochester, Nueva York; y el Broyhill Musíc Center en Boone, Carolina del Norte, entre otros. En Guadalajara se ha presentado numerosas veces, entre las cuales sobresale su Ejecución del Concierto del Sur, de Manuel M. Ponce, como solista de la Orquesta Filarmónica de Jalisco.
A pesar de su corta edad, su biografía ya aparece en el libro “La guitarra Clásica en Guadalajara”, de Guillermo Ramírez Godoy, que fue publicado recientemente por Promoción Cultural de Jalisco, A. C.
Alfonso continúa estudiando música en el Estado de Nueva York, USA, becado por la Eastman School of Music, bajo la dirección del guitarrista y Doctor en Música Nicholas Goluses. De este prestigioso conservatorio recibió la distinción Performer's Certificate, “otorgado a los estudiantes que demuestren aptitudes sobresalientes en el campo de la ejecución musical”. Alfonso fue recientemente contratado  para grabar en DVD una obra de guitarra para la empresa W.W. Norton & Company.

NOTAS AL PROGRAMA

Juan Sebastian Bach

Nació el 21 de marzo de 1685 en Eisenach (Turingia), y murió en Leipzig el 28 de julio de 1750. Fue, antes de llegar a ser el genio creador que conocemos, un “eslabón” de una importante estirpe de músicos. Hijo y nieto de estimables instrumentistas, tuvo a su vez siete hijos de su primer matrimonio (músicos: el mayor, Wilhelm Friedemann, después Carl Philipp Emmanuel y Johann Gottfried Bernhard), y trece más en sus segundas nupcias con Ana Magdalena (músicos: Johann Christian y Johann Christoph). Johann Sebastián (nuestro Juan Sebastián) adquirió una brillante cultura general y clásica (el griego y el latín sobre todo), al mismo tiempo que aprendía a tocar el violín con su padre, el clavecín y el órgano con su primo Johann Christoph y la composición con Herder, en Ohrdurf, y ocasionalmente con Böhm en Lüneburg (también fue corista de las escuelas parroquiales de las dos ciudades). Su formación musical se completó con la abundante lectura de compositores alemanes (entre ellos Buxtehude, a quien encontró el Lûbeck), italiano (Frescobaldi y Vivaldi) y franceses (entre ellos Couperin y Marchand). Organista en Arnstadt desde 1703 a 1707. Escribió alllí sus primeras obras religiosas, y se forjó una reputación de experto en órganos y reparador de este instrumento. Después realizó una corta estancia en Mülhausen, donde compuso algunas cantatas sacras, entre ellas la BW 106, Actus trágicus. En 1708 está empleado como músico de cámara y organista de la corte de Weimar (luterana), y después de 1714 como Loncermeister, y escribe numerosas cantatas y algunas obras para órgano que se han hecho célebres, como la Tocata y fuga en re menor, La Passacaglia y fuga en do menor y diversos corales. El período que va de 1717 a 1723, le vemos como Kapellmeister de la corte de Köthen (calvinista, por lo que Bach no debe tocar el órgano ni componer música para la iglesia). Para la orquesta de que dispone en ese momento compone una gran parte de sus obras instrumentales, algunas Oberturas o Suites, los Conciertos de Brandeburgo, otros diversos conciertos, así como algunas sonatas y el Libro primero El clavecín bien temperado. Las disensiones existentes en la corte le llevan a abandonar Köthen y aceptar el puesto de Cantor en la iglesia de Santo Tomás, de Leipzig, en mayo de 1723, donde permanecerá hasta su muerte. Pero allí sufrirá mil constreñimientos (componer regularmente música para cada domingo y para cada fiesta, para las ceremonias oficiales, no poder ausentarse sin autorización del Consejo de la ciudad…) y tendrá innumerables disputas con las autoridades, sobre todo en cuanto a sus condiciones de trabajo y de la enseñanza que está obligado a impartir, a sus emolumentos… Sin embargo, será para los modestos auditores de Leipzig para quienes escribirá la mayor parte de sus cantatas religiosas, así como las obras maestras de su música vocal, el Oratorio de Navidad, el Magnificat, La Pasión según San Juan, La Pasión según San Mateo, el Oratorio de Pascua… Por el contrario, la que sería la Misa en si menor fue destinada a la corte de Dresden, donde efectuará particularmente algunos viajes y conocerá a Hasse. También viajará a Berlín y a Postdam, donde será recibido por el rey Federico de Prusia en 1747 y a quien dedicará la Ofrenda musical. A fines de 1747, una desgraciada operación de cataratas le dejará casi completamente ciego; diez días antes de su muerte recobrará de repente la vista, pero un repentino ataque, seguido de una fiebre, acabará con su vida.
La obra de Juan Sebastián Bach, como se ha señalado tantas veces, es el “término” de la tradiciones musicales más experimentadas de su época: la composición polifónica y el contrapunto. A ello se mezclan íntimamente el uso del coral luterano y –simplificado un poco- los melodismos a la italiana. Es un milagro del genio haber logrado asimilar tan diferentes elementos, haber realizado una síntesis única de “estilos”, haber propuesto una espléndida recreación de todo ello a través de arquitecturas sonoras complejas y constantemente renovadas, de una perfección nunca fría y de la que se desprende a menudo más expresiva belleza.

Doménico Scarlatti

Nació el 26 de octubre de 1685 en Nápoles, Italia, y murió el 23 de julio de 1757 en Madrid, España.
En 1701 fue nombrado organista en corte de Nápoles, donde su padre, Alessandro, era maestro de capilla. Al año siguiente solicitó un permiso y viajó con la familia a Florencia, donde Alessandro esperaba conseguir empleo con el príncipe Ferdinando de Medici. Cuando esto no se concretó, Doménico regresó a Nápoles e intentó componer ópera antes que su padre le enviara a Venecia en 1705, buscando un mejor puesto. Al parecer allí conoció a Haendel e inició una cercana amistad, similar a la entablada con Thomas Roseingrave, quien más tarde promovió la música de Domenico en Inglaterra e Irlanda.

Hacia 1707 Scarlatti estaba en Roma, asistiendo a su padre en Santa María Mayor y permaneció en Roma por doce años, ocupando los cargos de maestro de la viuda Reina de Polonia desde 1711, del Marqués de Fontes desde 1714 y en San Pedro (maestro asistente de la Capilla Julia desde noviembre de 1713, y maestro desde diciembre de 1714). De ese modo, estuvo escribiendo música para empleadores tanto eclesiásticos como privados, pero sin lograr aún liberarse de un padre dominante, lo que eventualmente obtuvo por medios legales en enero de 1717.

En 1719 Doménico dejó sus cargos en Roma y al parecer pasó un tiempo en Palermo, antes de tomar su siguiente puesto como maestro de la corte portuguesa en Lisboa. El terremoto de Lisboa de 1755 destruyó los documentos sobre su carrera en ese lugar, pero sus deberes incluían lecciones de teclado para la hija de Juan V, María Bárbara y su hermano menor, Don Antonio. Cuando María Bárbara se casó con el príncipe español en 1729, Scarlatti le siguió a Sevilla y en 1733 a Madrid, donde pasaría el resto de su vida. Aunque continuó escribiendo música vocal (religiosa y secular), las principales obras de sus años en la Península Ibérica fueron las notables colecciones de sonatas para teclado, copiadas en sus últimos años y llevadas a Italia por su colega, el castrato Farinelli.

Domenico Scarlatti se casó dos veces: en 1728 con una romana, María Catarina Gentili, y en 1739 con una española, Anastasia Maxarti Ximénes. Ninguno de sus nueve hijos fue músico. En 1738 fue ordenado caballero por el rey Juan V de Portugal, a quien correspondió dedicando un volumen de los Essercizi per gravicembalo, la única música que publicó personalmente durante su vida.

Aunque las siete óperas que escribió en Roma para la Reina Maria Casimira no fueron fracasos, y tanto su música litúrgica como sus cantatas seculares contienen muchos hitos admirables, la fama de Doménico descansa en los cientos de sonatas para teclado donde su imaginación encontró total libertad. Escritas casi todas en la misma forma binaria, tales sonatas demuestran el estímulo provocado por los nuevos sonidos, los paisajes y las costumbres de la Península Ibérica, así como por las sorprendentes dotes de su real patrón y alumno. En esas sonatas exploró nuevos mundos en el virtuosismo técnico, otorgando un novedoso fin musical a tales aspectos como el cruce de manos, notas rápidas repetitivas y otros incontables medios de obtener una devastadora brillantez de efectos.

Músico paraguayo nacido en San Juan Bautista de las Misiones. Miembro de una familia numerosa, sus 7 hermanos tocaban un instrumento cada uno. A la edad de 13 años ya interpretaba piezas de Tárrega, Viñas, Arcas y Pargá. Reconocido niño prodigio, recibe una beca del Colegio Nacional de Asunción, donde además de música, estudia matemáticas, periodismo y literatura. Gran amante de la cultura en general, le interesaba la filosofía, poesía y teología. Además de castellano y guaraní, la lengua nativa de Paraguay, entendía francés, inglés y alemán. Musicalmente fue un gran improvisador, y su inusual creatividad le permitió componer más de 300 piezas para guitarra. En su música podemos apreciar una gran creatividad e inspiración combinada con un gran conocimiento técnico de la capacidad armónica de la guitarra. Su conocimiento de la ciencia armónica le permitió componer en varios estilos: barroco, clásico, romántico y descriptivo. Su música se caracteriza por ser de carácter folcklórico, imitativo y religioso. Compuso preludios, estudios, valses, mazurcas, tarantelas y romanzas. Barrios también interpretó gran cantidad de música popular, y sus composiciones se basan en cantos y danzas de toda América Latina, como: cueca, chôro, estilo, maxixa, milonga, pericón, tango, zamba y zapateado. Vivió en Argentina, Uruguay, Brasil, Venezuela, Costa Rica, y El Salvador. En los años 1934-1936 viajó a Europa, tocando en Bélgica, Alemania, España y Inglaterra. En 1932 empezó a llamarse Nitsuga Mangoré, el Paginini de la guitarra de las selvas del Paraguay. Nitsuga (Agustín escrito al revés) y Mangoré (Un legendario jefe guaraní que peleó ante la conquista española). Fue el primer guitarrista en grabar música para guitarra de forma comercial, en discos de 78 rpm. Dió conciertos desde 1906 hasta su muerte en 1944 en Salvador, de un infarto de miocardio.  
Obras:
Romanza en imitación al violoncelo-Pagina d'Album (1919)
Mazurca Apassionata (1919)
Preludio en Sol (1921)
Danza Paraguaya (1924)
Choro de saudade (1929)
Una Limosna por el Amor de Dios (1944)

Guitarrista, flautista y compositor austríaco, Johann Kaspar Mertz en 1856 gana los primeros premios de composición para guitarra, del certamen internacional organizada en Bruselas por Nikolai Makaroff. Napoleón Coste obtuvo en este mismo certamen el segundo puesto.

Nace en Pressbourg (hoy Bratislava), el 17 de agosto de 1806. Estudió guitarra desde los 12 años y dio su primer concierto documentado en1834.
En 1842 conoció a la que ese mismo año se convertiría en su esposa, la pianista Joséphine Plantyn.
El guitarrista tenía mala salud y como consecuencia de ello a veces tuvo que suspender sus actividades, lo que situó a la familia en una situación financiera lamentable.
En uno de sus tratamientos médicos, en el que se le administraba estricnina, estuvo a punto de fallecer como consecuencia de una sobredosis de este veneno.
Una vez recuperado, reanudó su actividad como guitarrista. Sin embargo, las secuelas de su envenenamiento y la tuberculosis acabaron con su vida en Viena e1 14 de octubre 1856.
Mertz empleó guitarras de 8 y hasta 10 cuerdas (suplementándolas con bajos).

Mario Castelnuovo-Tedesco nació en Abril de 1895 en Florencia, Italia, en una familia judía. Con sólo diez años publicó sus dos primeras piezas en una revista juvenil, y a los quince sus primeros trabajos serios.

Tras la segunda guerra mundial, y por culpa del racismo contra los judíos, emigró a los Estados Unidos. En esta época comenzó la etapa más brillante de su carrera: tras conocer a Andrés Segovia comenzó a escribir para guitarra, y surgieron obras como "Capricho diabólico" (1935), "Tarantella" (1936)... y la que es su obra más popular: "Concerto op.99" para guitarra y orquesta, de 1939.
El segundo movimiento de este concierto, "Romanza", es sin duda una de las piezas más hermosas del repertorio de guitarra. Castelnuovo-Tedesco decía que era como una triste descripción del paisaje de la Toscana.

Como dato curioso, señalar que para ganarse la vida firmó un contrato con el estudio de cine Metro Goldwyn Meyer al llegar a Nueva York , recién emigrado de Italia, para escribir música para películas. No llegó a trabajar en ninguna película conocida, pero sí fue profesor de Henry Mancini, que después se haría famoso por su música para películas como "La pantera rosa", "Desayuno con diamantes" o "Dos en la carretera" y a su vez fue profesor de John Williams, autor de "La guerra de las galaxias", "Superman", "La lista de Schindler", "E.T."...

Discos:
SUSANNE MEBES: "Castelnuovo-Tedesco. Guitar solo works"
SUSANNE MEBES & JOAQUIM FREIRE: "Fugas y Fandangos. Music for two guitars"

Ernesto Cordero

El músico y compositor clásico Ernesto Cordero nació en 1946 en la ciudad de Nueva York, y se crió en Puerto Rico.

La educación musical de Cordero comenzó en 1961, cuando estudió guitarra con Jorge Rubiano. En 1963 se matriculó en el Conservatorio de Música en Puerto Rico, y luego continuó sus estudios en el Conservatorio Real de Música en Madrid, España, hasta 1971. Cordero entonces realizó estudios posgraduados en composición con Roberto Canggiano en Roma, Italia,de 1972 a 1974, y con Orbón Juliano, en Nueva York, de 1977 a 1978.

Cordero ha sido afiliado con la Universidad de Puerto Rico desde 1971, donde es actualmente Profesor en los Departamentos de Composición y de Guitarra. Además de sus actividades como compositor, artista y maestro, Ernesto Cordero fue director músical del Festival Internacional de Guitarra de Puerto Rico, de 1980 a 1997.

Como compositor, Cordero tiene un catálogo escrito de sus diversos y ricos trabajos infundidos con el sabor afrohispano tan típico de la música Caribeña. Él ha escrito cinco conciertos, inclusive uno para el violín, tres para la guitarra, tal como el  Concierto Antillano (el movimiento tercero: Seis Milonga, presentado aquí por el guitarrista Angel Romero y la Orquesta de Sinfónica de Puerto Rico, conduciendo Roselín Pabón). Cordero compuso también un concierto para el cuatro nativo de Puerto Rico. Además, compuso varias trabajos de cámara para la guitarra en conjuntos con una diversidad de instrumentos, y muchos solos de guitarra.

La música de Cordero a menudo provoca los sentimientos nostálgicos de anhelo por la isla de Puerto Rico, por trabajos tales como el romántico Bacetos Sonoras o el Viñeta Criolla, con su ritmo de clave. Un ejemplo de esto es el misterioso y hermoso segundo movimiento,  Andante Lontano e Misterioso, de su Concierto de Bayoán, interpretado por el guitarrista Iván Rijos y la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, conducido por Roselín Pabón. Es también bastante evidente en sus canciones que tienen una calidad romántica, tal como se probó por el cantante popular de Puerto Rico, Danny Rivera, y la soprano Ilca López, en Entre Guitarra y Voz.

Sergio Assad

Nacido en Sao Paulo, Brasil, Sérgio Assad recibió sus primeras lecciones de música de su padre, un mandolinista aficionado. Hizo estudio de conducción y composición en la Escuela Nacional de Música de la Universidad Federal de Brasil, en Río de Janeiro, y también estudió privadamente con Esther Scliar, notable profesora de música.
En los últimos 15 años Assad concentró la mayoría de sus esfuerzos en construir un repertorio para el dúo de guitarra que formó con su hermano Odair. Él ha extendido las posibilidades de la combinación de dos guitarras, mediante sus arreglos de música latinoamericana de compositores tales como Piazzola, Villa Lobos y Ginastera, así como Mompou, Ravel, Debussy y Gershwin, entre otros. La “Fantasía carioca” de Assad para dos guitarras y orquesta de cuerdas, fue estrenada por la Orquesta de Sao Paulo, bajo la batuta de John Adams.
Artista especialmente activo en la grabación, Assad ha colaborado con músicos de la talla de Dawn Upshaw, Gidon Kremer, Nadja Salerno Skonnenberg, el reconocido violinista Iwao Furazawa y Yo-Yo Ma. Sérgio y Odair ganaron en 1998 un premio Grammy por su colaboración de Piazzola  con Yo-Yo Ma (Sonny Classical), y su disco Nonesuch “Sérgio y Odair Assad tocan a Piazzola” fue premiado con un Latin Grammy, en septiembre de 2002.

Nikita Koshkin

Nació en el año 1956 en Moscú. A los cuatro años de edad, sus compositores favoritos eran Shostakovich y Stravinsky, aunque él no estudió música y guitarra hasta que tuvo 14 años. Su primera guitarra fue un regalo de su abuelo, que venía acompañada de un disco de Andrés Segovia. Koshkin se quedó tan impresionado de esta grabación, que se las ingenió para hacer de la música su ocupación, aunque sus padres le animaron a hacer la carrera diplomática. Estudió guitarra clásica con George Emanov en el Moscow College of Music, y más tarde con Alexander Frauchi en el Gnesin Institute (Russian Academy of Music), estudiando allí composición con Víctor Egorov.

Su éxito le llegó pronto con el primer concierto de la Suite para guitarra "Prince's Toys", tocada por Vladimir Mikulka en París en 1980. La lista de composiciones de Koshkin no sólo está constituida por obras para guitarra sola, sino que también tiene obras para guitarra con otros instrumentos (double-bass, violín, flauta, etc.), así como algunos dúos y tríos, un cuarteto de guitarra y una suite para mezzo-soprano y guitarra.

La música de Koshkin es profundamente dramática y al mismo tiempo es ingeniosa. Numerosas referencias extramusicales a leyendas, cuentos de hadas y personajes literarios, así como formas musicales de otras civilizaciones, efectos de vanguardia y patrones de música popular, dan lugar a ricas texturas llenas de sorpresas. Además, Koshkin ofrece el distintivo carácter ruso de fervor romántico y melancólico que, incluso más que su exquisita habilidad, tiene en cuenta para el atractivo de sus composiciones al público de cualquier lugar.

Las composiciones de Nikita Koshkin han sido publicadas por Henry Lemoine (Francia), Editions Orphee (USA), Gendai Guitar (Japón), Chorus (Finlandia), Edition Margaux y Hubertus Nogatz (Alemania). Su música ha llegado a ser parte del repertorio de muchos guitarristas y agrupaciones de guitarra de todo el mundo; entre ellos, Vladimir Mikulka, John Williams, los hermanos Assads y el trío de guitarra Zagreb of Amsterdam. Koshkin es un guitarrista muy activo, y ha estado tocando su propia música desde 1990. Ha dado conciertos en Rusia, Francia, Alemania, Gran Bretaña, y los Estados Unidos y en grandes salas de concierto como son el Concertgebonw en Amsterdam y la Filarmónica de Berlín. Koshkin vive en Moscú, donde combina la composición, los conciertos y la enseñanza.