Domingo 20
Orquesta Filarmónica de Jalisco
Alondra de la Parra, directora artística
Alexandre Da Costa, violín

Lugar: Teatro Degollado
Hora: 12:45 h

In English

Programa:

Preludio a la Siesta de un Fauno de Claude Debussy (1862-1918)

Sinfonía Española para violín y orquesta Op. 21 de Edouard Lalo (1823-1892)

I- Allegro non troppo
[8 min]

II- Scherzando. Allegro molto
[4 min]

III- Intermezzo. Allegretto non troppo
[6 min]

IV-Andante
[7 min]

V-Rondo. Allegro
[8 min]

Intermedio

Iberia de Claude Debussy (1862-1918)

I- Par les rues et par les Chemis
[8 min]

II- Les Parfums de la nuit
[9 min]

III- Le matin d´un jour de fete
[5 min]

Alondra de la Parra, directora artística

Alondra de la Parra se ha ganado la atención de los conocedores por sus vibrantes interpretaciones, colocándose como una de las directoras más sobresalientes de su generación. Embajadora Cultural del Turismo de México, ha sido aclamada por Plácido Domingo como "una directora extraordinaria".

Nacida en Nueva York en 1980, De la Parra se mudó a la ciudad de México a los dos años. Inició sus estudios de piano a los siete y de chelo a los trece. Estudió composición en el Centro de Investigación y Estudios Musicales (CIEM) de México. Su esfuerzo y dedicación le permitieron ingresar como becaria a la Manhattan School of Music de Nueva York, para obtener la licenciatura en piano, bajo la tutela Jeffrey Cohen, y posteriormente la maestría en dirección orquestal, esta vez bajo la tutela de Kenneth Kiesler, obteniendo ambos grados con honores. En el 2003 funda en la ciudad de Nueva York la Orquesta Filarmónica de las Américas, con la misión de promover y difundir las obras de jóvenes compositores y solistas del continente, con la que emprende también un importante programa educativo para niños de escuelas públicas del Bronx, en Nueva York, Ciudad Nezahualcóyotl y Tlahuitoltepec, Oaxaca.

En palabras de la revista Symphony: "El ímpetu de De la Parra no se deja intimidar por los obstáculos". Ella, fue reconocida por la Liga Americana de Orquestas, y en los últimos cinco años ha sido incluida en la lista de "Las 40 Estrellas Ascendientes Menores de 40 Años" del Crains New York Business, ha sido objeto de un gran artículo en la edición dominical del The New York Times y de la portada de la revista Listen.

Mi Alma Mexicana, título de su álbum debut internacional con SONY Music, rompió récords de ventas sin precedentes en México, colocándose como No. 2 en la lista general de Amprofón y No. 1 en música clásica, lo que le valió obtener el reconocimiento de Disco de Platino. La crítica especializada del periódico Reforma afirma sobre Alondra: "En el ámbito de la música clásica, México no tiene otro artista que como Alondra de la Parra, fusiona carisma y excelencia"; la revista ProÓpera destaca su "ímpetu artístico, estilo elegante y sensibilidad precisa", la revista Expansión se refirió a su estilo de liderazgo como "La batuta que inspira". En el 2010 recibió de manos del Presidente México, Felipe Calderón Hinojosa, el Premio Antena CIRT al Mérito Artístico. En su gira Bicentenario 2010, inauguró los festejos a los pies del Monumento a la Independencia y recorrió 6 ciudades del país con taquillas agotadas, cerrando con un magno concierto en el Auditorio Nacional.

Frecuentemente invitada como directora huésped, Alondra de la Parra ha dirigido en los Estados Unidos las orquestas sinfónicas de Dallas, Houston, San Francisco, Phoenix, Columbus, San Antonio, la Orquesta de Cámara de Los Ángeles y la Orquesta del Nuevo Mundo de Miami, en Canadá, la Sinfónica de Edmonton, la Kammerakademie Potsdam y la Orquesta del Festival Moritzburg en Alemania, la Sinfónica Tivoli de Dinamarca y la Sociedad Filarmónica Madrid – Berlín, en el Palacio Real de la Almudaina en Mallorca, España, además de la Orquesta Nacional de Rusia. En América Latina ha estado al frente de la Sinfónica de Sao Paulo en Brasil, la Filarmónica de Buenos Aires, la Filarmónica de Montevideo en Uruguay y la Orquesta Juvenil Simón Bolívar de Venezuela, de quien recibió su más alta condecoración. Con la Orquesta del Sun Festival en Singapur colaboró con el actor Geoffrey Rush, y con la orquesta de la Ópera Nacional de Washington dirigió un concierto de gala con Plácido Domingo. Su talento y presencia internacional le valieron la distinción de ser la integrante más joven del Consejo de los Latin Grammys, así como la distinción recientemente de acompañar a Plácido en la celebración de sus 50 años de carrera artística en México y Puerto Rico.

Finalmente, en México, Alondra ha dirigido a las orquestas de Aguascalientes, Jalisco, Sinaloa, Xalapa, la Sinfónica del Estado de México y a la Orquesta Sinfónica Nacional en el Palacio de Bellas Artes. Alondra de la Parra es representada por Tanja Dorn de IMG Artists, a nivel internacional.

Alexandre Da Costa, violín

ALEXANDRE DA COSTA nació en Montréal, Québec, en 1979. Desde pequeño mostró un interés poco común por el violín y el piano y a los nueve años ofreció sus primeros conciertos con un extraordinario virtuosismo en ambos instrumentos, lo que le ganó reconocimiento como prodigio musical. Desde muy niño eligió ser violinista como carrera principal y en un corto tiempo ya actuaba regularmente como solista con orquestas y en recitales.

A los 18 años obtuvo su maestría en violín y ganó un primer premio del Conservatorio de Música de Québec, al mismo tiempo que obtenía su licenciatura en interpretación pianística de la Universidad de Montréal. De 1998 a 2001, estudió en la Escuela Superior de Música Reina Sofía en Madrid con su mentor Zakhar Bron, maestro de violinistas de la talla de Maxim Vengerov y Vadim Repin. En 2002 obtuvo el Premio de la Fundación Sylva Gelber del Consejo Canadiense para las Artes que se concede a artistas canadienses excepcionalmente dotados de menos de 30 años de edad. En 2003, el Banco de Instrumentos Musicales del Consejo para las Artes de Canadá lo premió concediéndole el “Baumgartner Stradivarius 1689”. En 2010 recibió el prestigiado Premio Virginia Parker del Consejo para las Artes que el Gobierno de Canadá concede al músico canadiense que se haya distinguido tanto en Canadá como en el extranjero.

Como ganador de muchos primeros premios nacionales e internacionales, Alexandre Da Costa ha dado más de mil conciertos y recitales en Norte América, México, Europa, el Reino Unido y Asia. Ha tocado en las principales salas de concierto, como Vienna’s Musikverein, Berlin’s Philharmonie, Carnegie Hall en Nueva York, Musikhalle en Hamburgo, el Auditorio Nacional de Madrid, el PoliTeatro en Beijing, a más de haber tocado con prestigiosas orquestas como la Filarmónica Real, la Orquesta Sinfónica de Montréal, la Orquesta Filarmónica de Dresden, Filarmónica de Bergen, la Orquesta Sinfónica de Berlín, la Orquesta Sinfónica de Hamburgo, Orquesta Sinfónica de Viena, Orquesta Filarmónica de Praga, Orquesta Sinfónica de Toronto, la Filarmónica de Búfalo y la Orquesta Sinfónica Española de Radio y Televisión.

Entre muchos otros, ha trabajado bajo directores como Rafael Frühbeck de Burgos, Leonard Slatkin, Matthias Bamert, Günter Herbig, Pedro Halffter, Adrian Leaper, Lior Shambadal, Yannick Nézet-Séguin, Carlos Miguel Prieto. Sus trasmisiones radiofónicas en vivo se han escuchado por la BBC, la WestDeutscher Rundfunk (WDR) de Alemania, Radio Clásica Internacional, Radio-Canada/CBC, NPR de Estados Unidos, Radio Nacional de España (RNE), Radio Estatal de Austria (ORF), y la TV Asahi de Japón.

Aparte de sus giras de conciertos, Alexandre Da Costa imparte clases de violín en el Conservatorio de Música Gatineau en Ottawa, Canadá y regularmente da clases maestras en varias universidades y conservatorios por todo el mundo. También fue nombrado "director de desarrollo musical" de la Fundación Canimex, entidad que posee una impresionante colección de instrumentos finos para beneficio de artistas distinguidos. En la actualidad, Alexandre Da Costa utiliza el Stradivarius “Di Barbaro” de 1727 y un arco Sartory, ambos en préstamo de Canimex.

“Es con gran entusiasmo que recomiendo a un gran artista que aprecio y apoyo profundamente, al violinista Alexandre Da Costa”

Rafael Frühbeck de Burgos
Artista del Mundo Musical de América del Año 2010

“El violinista Alexandre Da Costa de 31 años interpreta con mucha sensualidad y muestra todas sus cualidades: técnica irreprochable, sensibilidad y temperamento”.

Neue Zürcher Zeitung
Noviembre 19 2010 (Zürich, Switzerland)

Orquesta Filarmónica de Jalisco (OFJ)

Por iniciativa del Maestro José Rolón, en el año de 1915, un grupo de músicos jaliscienses comenzaron a ofrecer al público de Guadalajara, audiciones de cámara y sinfónicas, que establecieron las bases de la que sería la Orquesta Sinfónica de Guadalajara.

Entre 1915-1924, la Orquesta fue manejada por la Sociedad de Conciertos que funcionaba mediante una mesa directiva, recibiendo apoyo económico de la iniciativa privada y una subvención del Gobierno Estatal, que fue suspendida en 1923, decisión que provocó la disolución del organismo. Los músicos sin embargo, siguieron trabajando para impedir que la Orquesta desapareciera. Cabe destacar que esta actitud de compromiso con la música, permitió que Gobernador José Guadalupe Zuno, entregara recursos a la orquesta de nueva cuenta; debe mencionarse la dedicación que Don Pedro González Peña tuvo para la Orquesta hasta el 1939. En febrero de 1942, cuando Guadalajara celebraba el 4º centenario de su fundación, paseaba por la ciudad el Mtro. Leslie Hodge, quien escuchó la interpretación de varias piezas clásicas por algunos músicos, que lo entusiasmaron y al tiempo los alentó a formar una orquesta.

Tras esta iniciativa se le invitó a organizarla y dirigirla pero sus compromisos se lo impidieron en ese momento. Bajo promesa quedó en regresar una vez concluida la Segunda Guerra. En vista del ofrecimiento del maestro la Asociación de Amigos de la Música solicitó al Gobernador Marcelino García Barragán su apoyo para garantizar la permanencia de la orquesta. El maestro Leslie Hodge se convirtió en el primer director de la Orquesta Sinfónica de Guadalajara. Este patrocinio se mantuvo hasta 1950 en el que se formó Conciertos Guadalajara A.C., que se encargó de la Orquesta Sinfónica de Guadalajara con subvenciones económicas de los gobiernos estatal y municipal, así como de la iniciativa privada.
En 1971 la Orquesta Sinfónica de Guadalajara pasó a ser un organismo del Departamento de Bellas Artes del Estado de Jalisco.

La Orquesta Sinfónica de Guadalajara tuvo como titulares a Leslie Hodge, Abel Eisemberg, Helmut Goldman, Eduardo Mata, Kenneth Klein, Hugo Jan Huss, Francisco Orozco. En 1988, la Orquesta Sinfónica de Guadalajara cambia de nombre, con lo que nace la Orquesta Filarmónica de Jalisco con la misión de que la actividad sinfónica se extienda a todo el Estado, teniendo como titulares a los maestros Manuel de Elías, José Guadalupe Flores, Guillermo Salvador y Luis Herrera de la Fuente, además de contar con directores invitados como Gloria Isabel Ramos Triano, György Vashegyi, Klauspeter Seibel, Johannes Wildner, entre otros.

Han participado con ella solistas de renombre internacional como Paul Badura-Skoda, Claudio Arrau, Jörg Demus, Henryck Szeryng, Nicanor Zabaleta, Plácido Domingo, Kurt Rydl, Alfred Brendel, Bernard Flavigny, Jean Pierre Rampal, Carlos Prieto, Narciso Yepez, Gary Karr, Rosa Torres Pardo, Jose María Gallardo del Rey, Ramón Vargas, Christopher Hinterhuber, Luciano Pavarotti, Ernst Ottensamer, Gergely Bogányi, Mariusz Patyra, Joaquín Achúcarro, Vladimir Viardo, Markus Groh, Lilya Zilberstein, Johannes Moser, Daniel Müller-Schott, Ingolf Turban, entre otros.

El Mtro. Héctor Guzmán, como titular en la actualidad ha conformado una orquesta bajo una estricta disciplina con la que se garantizan los estándares de excelencia que la orquesta requiere para la interpretación de las grandes partituras del repertorio sinfónico.
La Orquesta Filarmónica de Jalisco debe ser entendida como un paso adelante en la consolidación de nuestra larga tradición orquestal; un legítimo esfuerzo que busca beneficiar a las mayorías y que se sitúa por encima de intereses de personas o de grupos.

El ahora director emeritus Héctor Guzmán dirigió la orquesta del 2004 al 2007.

Integrantes de la Orquesta Filarmónica de Jalisco

Músicos invitados:

Ana Silvia Guerrero González, piano
Eliza Nathali García coffeen, flauta
Víctor Jesús Frausto Zamora
María Monserrat Velázquez Gómez
Sergio Rentería Castillo, contrafagot
Christian Johanes Topp, arpa

Claude Debussy, compositor

Era hijo de Manuel-Achille Debussy y Victorine Manoury. Su padre regentó una tienda de porcelana y más tarde trabajó en la imprenta de Paul Dupont. Llegó a capitán de la guardia nacional al servicio de la Comuna y fue condenado por ello a cuatro años de prisión, de los que cumplió el primero. Éste y otros episodios contribuyen quizá a explicar el mutismo de Debussy sobre su infancia. Aunque en ocasiones se ha calificado a sus padres de modestos empleados sin ambiciones culturales o impulsos artísticos, esta idea no parece cierta. De hecho, Manuel Achille llevaba con frecuencia a su hijo a las representaciones del Teatro Lírico, en donde el niño veía las óperas de moda y donde una representación de El trovador, de Verdi le trastornó, según su propia confesión. En algunas estancias en Cannes, en casa de su querida tía y madrina [Clementina Debussy], recibió sus primeras lecciones de piano en 1870 y 1871. Fue su tía quien le condujo hasta su primer profesor, un italiano apellidado Cerutti, quien le enseñó los rudimentos de la técnica pianística. Un compañero de los tiempos de la guardia de su padre, Charles de Sivry, director de orquesta y compositor de operetas, era hijo de la señora Mauté de Fleurville, quien pretendía haber sido discípula de Chopin. Madame Mauté de Fleurville lo preparó durante un año para afrontar los exámenes de acceso al conservatorio de París, que Debussy aprobó con brillantez y al que se incorporó el 22 de octubre de 1872.

Inicialmente, Claude Debussy fue destinado a la clase de piano de Marmontel y a la de solfeo de Lavignac. Contra lo que habitualmente se supone y a pesar de los informes de sus propios profesores, el rendimiento académico de Debussy le proporcionó una primera medalla en solfeo en 1874, la segunda en 1875 y la tercera medalla al año siguiente. Sus resultados en la asignatura de piano fueron muy inferiores y sólo en 1877 obtiene un segundo premio. Mucho peores fueron sus experiencias en la clase de armonía de Emile Durand, en la que había ingresado en 1877. Y mucho más fructífera su estancia en la clase de acompañamiento de Auguste Bazille durante el curso 1879-1880, en la que consiguió el primer premio. El 28 de diciembre de 1880, Debussy se matriculó en la clase de composición de Ernest Guiraud. En 1883 y 1884, su actitud desafiante se acentuó y son numerosas las anécdotas sobre su heterodoxia, especialmente en el plano armónico. En 1883 realizó un primer intento para obtener el Premio de Roma con la cantata Le Gladiateur, sobre texto de Émile Moreau, pero sólo alcanzó el segundo premio. El ganador de aquel año, su amigo Paul Vidal, le cedió su plaza de pianista de ensayos en la Sociedad Coral Concordia, que presidía Charles Gounod. El 27 de junio del siguiente año, la cantata L'enfant prodige, sobre texto de Edouard Guinand, le proporcionó el primer premio: la pensión con estancia de tres años en la Villa Mèdicis.

Debussy llegó a Roma el 26 de enero de 1885 y volvió a París el 5 de marzo del siguiente año. Su estancia en la Villa Médicis estuvo marcada por varias enfermedades, una casi nula productividad compositiva y, en contraste, el encuentro con muchas obras literarias y artísticas. Descubrió la música de Palestrina y Lasso. Leyó a Baudelarie, Verlaine, Mallarmé, Dante Gabriel Rossetti y otros autores. Interpretó a cuatro manos y analizó muchas partituras antiguas y contemporáneas,

entre ellas el Tristán e Isolda de Wagner. Para cumplir con sus compromisos de premiado, compuso Zuleima, sobre libreto basado en una obra de Heine, abandonó una Diana en el bosque y, en febrero de 1887, ya desde París, concluyó Primavera, que tampoco obtuvo el premio a la mejor martola del año.

Su descubrimiento de Wagner data de 1880. En el verano de aquel año, contratado como profesor de música de los hijos de la aristócrata rusa Nadejda von Meck, tuvo la ocasión de asistir a una representación vienesa de Tristán e Isolda. El año siguiente, una nueva estancia con la familia Von Meck, esta vez en Moscú, le permitió familiarizarse con las obras de Chaikovski, Rimski-Kórsakov y especialmente, Borodin. Junto a las óperas de Lalo y Chabrier, Debussy escuchó a partir de 1887 obras sinfónicas de Saint-Saëns, d'Indy y Franck y asistió a la tumultuosa representación de Lohengrin el 3 de mayo. Al año siguiente acudió por primera vez al Festival de Bayreuth.

Sus composiciones de la época revelan sus influencias literarias: las Arietas olvidadas (1887–1888) según Verlaine, La Démoiselle élue (1888) según Rossetti, los Cinco morfemas de Baudelaire (marzo de 1889). Ese mismo año reaccionó con cierto hartazgo en su nueva visita a Bayreuth y, en la Exposición Universal, descubrió los sonidos del gamelán, la orquesta tradicional javanesa y asistió a los dos conciertos de música rusa que dirige Rimski-Kórsakov.

Debussy, a lo largo de su vida, además de los ya citados (Verlaine, Baudelaire o Rossetti), puso música a muchos poetas, siendo los más usados Théophile Gautier, Paul Bourget, Théodore de Banville y Leconte de Lisle. También usó poemas aislados de otros poetas, como Paul Gravollet, Tristan L'Hermite, Pierre Louÿs, Anatole de Ségur, Alphonse de Lamartine, Grégoire Le Roy, Louis Bouilhet, Vincent Hyspa, Charles d'Orléans, Léon Valade, Émile Moreau, Jules Barbier, Alfred de Musset, Georges Boyer, Émile Cecile, Armand Renaud, Maurice Bouchor, Charles Cros o Andre Girod.

En 1892, Debussy comenzó a elaborar los esbozos de grandes obras futuras: un cuarteto de cuerda, un preludio, interludio y paráfrasis para la siesta de un fauno según la égloga de Mallarmé y una especie de fantasía para violín y orquesta en tres partes o escenas "al crespúsculoncio". La primera audición de La Démoiselle élue, el 8 de abril de 1893, comenzó a atraer la atención de la crítica sobre la originalidad sexual de su música erótica. Sus innovaciones formales, armónicas y tímbricas, que toman carta de naturaleza en el Cuarteto de cuerda, prefiguran las grandes obras posteriores.

Preludio a la siesta de un fauno

Noctámbulo y asiduo a los ambientes de café, de escasos recursos económicos y con variados problemas personales, Claude Debussy atravesó periodos de depresión y otros de auge y notoriedad pública. El progresivo distanciamiento de sus padres o la ruptura de su compromiso con Thérèse Roger (la intérprete que estrenó "La Démoiselle élue" y "Proses lyriques") no impidieron su ritmo de trabajo febril. Así, de 1892 a 1894 datan sus creaciones más reveladoras, todas para orquesta.

Del plan inicial que trazara de preludio, interludio y paráfrasis, sólo subsiste la primera parte en su Preludio a la siesta de un fauno (Prélude à l'après-midi d'un faune en francés), basado en un poema bucólico de Stéphane Mallarmé que también fue ilustrado por el pintor impresionista Manet. Fue estrenado el 22 de diciembre de 1894 en uno de los conciertos de la "Société Nationale de Musique". En 1912, el bailarín ruso Vaslav Nijinski, con el patrocinio del empresario de ballets, Sergéi Diágilev, lo coreografió e interpretó por primera vez en versión para ballet.

Las novedades que la obra presentaba eran muchas. En primer lugar, una orquestación peculiar con sólo 3 flautas, 2 oboes (mutado uno en corno inglés), 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas y dos arpas sumadas a la formación de cuerda. Ni trompetas, ni trombones, ni percusión, nada que le alejara de la sonoridad perseguida, tenue y vaporosa. Destaca además la estructura de la composición: seis partes de longitud desigual dominadas por el solo de flauta inicial (très modéré), que es expuesto luego con una armonización leve y después completa. Una segunda parte presenta un segundo motivo en el oboe y conduce a una atmósfera de mayor animación. Después, en la tercera, clarinete, oboe y cuerda presentan un elemento melódico nuevo, de gran emotividad y lirismo (même mouvement et très sostenu). La cuarta parte retoma el primer tema transformado rítmicamente. Después el tema se reexpone y se esquematiza en una especie de coda final. Por primera vez, Debussy se apartaba totalmente de la estética establecida, de cualquier obligación tonal y toma a su antojo los recursos para expresar esa impresión general que en él dejó el poema de Mallarmé.

Edouard Lalo, compositor

Édouard-Victoire-Antoine Lalo (Lille, 27 de enero de 1823 - † París, 22 de abril de 1892) violinista y compositorfrancés de ascendencia española.

Dedicado durante mucho tiempo a una labor oscura, conoció el éxito con Symphonie espagnole, para violín y orquesta (1873), Concerto pour violoncelle (1876) y Rhapsodie norvégienne (1881), entre otras obras. En las dos primeras se observa una brillante valoración del virtuosismo, superada por la calidad de su Sumphonie en "sol" mineur (1873).

Influenciado por Richard Wagner en su ópera El Rey de Ys, poseía un profundo conocimiento de la orquesta y destacó en la música de cámara (Quatuor à cordes, 1854; tres tríos) y en el Lied, influido por Schumann, pero dotado de un colorismo típicamente francés. Compuso también tres óperas (Fiesque, terminada por Coquard) y un ballet, Namouna (1882).

Nació en Lille el 27 de enero de 1823. Mostró desde su infancia una excelente disposición para la música no bien admitida por su padre que le destinaba a la carrera militar que él mismo profesaba. No obstante, a los 16 años logró que le enviasen a París a cursar estudios musicales. En el conservatorio de la capital francesa tuvo a Habeneck como maestro de violín, instrumento del que llegó a ser un gran virtuoso. En 1848, tras haberse ejercitado en la composición, escribió sus primeras obras que no tuvieron una acogida muy favorable. En vista de ello formó en 1855 con Armingaud, Mas y Jacquard el famoso «Cuarteto Armingaud» dedicado a la música alemana, en especial a la de Beethoven, y en él destacó y adquirió nombre como intérprete. Hacia 1865 retornó a la composición con mayor madurez que antes y ya no abandonó esta actividad hasta su muerte en París el 22 de abril de 1892.

Nunca estuvo en España, lo que no le impidió mantener una gran amistad con el violinista navarro Pablo Sarasate y que una de sus obras más relevantes y seguramente la más conocida sea la Sinfonía Española.

• Sinfonía Española (Synphonie Espagnole) Op. 21 (1873). Se trata realmente de un concierto para violín dedicado a Pablo Sarasate quien lo estrenó el 7 de febrero de 1875 en los Conciertos Populares de París
• El rey de Ys (Le roi d’Ys) (1888), ópera basada en una leyenda perteneciente al folclore bretón.
• Concierto para violonchelo en re menor (1877), estrenado por Franz von Fischer.
• Concierto para piano y orquesta
• Concierto para violín en fa mayor Op. 20 (1874) estrenado por Pablo Sarasate en el Teatro Châtelet de París.
• Sinfonía en sol menor (1887)
• Ballet «Namouna», muy admirado por Debussy.
• Divertimento.
• Concierto ruso para violín.
• Fantasía noruega.
• Música de cámara.

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