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| Programa general | Teatro Degollado | Miércoles 26 Lugar: Teatro Degollado
Programa: Marlos Nobre (1939) TRES CANCIONES DE BEIRAMAR Op. 21 –poemas de Marlos Nobre- Enric Morera (1865-1942) Manuel De Falla (1876-1946) “EL AMOR BRUJO” * (Solista: Elena Gragera) Intermedio Silvestre Revueltas (1899-1940) “SIETE CANCIONES” * (Solista: Elena Gragera) Alberto Ginastera (1916-1983) “SUITE BALLET ESTANCIA” * Astor Piazzolla (1921-1992) “DOS TANGOS” * de Jorge Luis Borges “A Don Nicanor Paredes” * Versiones de Elías Arizcuren para el Octeto Ibérico de Violonchelos. Admisión: de $100.00 a $200.00 pesos Octeto Ibérico de violonchelos El Octeto Ibérico de Violonchelos, joya de la música de cámara internacional, creado en Girona por Elías Arizcuren y afincado en Amsterdam durante 20 años, renace en Madrid en la primavera del 2009. Sus valedores durante años fueron Rostropovich y más tarde Yo Yo Ma. La trayectoria del Octeto se puede resumir en más de 75 estrenos, 13 CD’s (2 en preparación), y unas 125 canciones del repertorio romántico español y sudamericano. Yo Yo Ma declaró en televisión…”son un tesoro, un ejemplo maravilloso, Elías Arizcuren es un visionario que ha conseguido algo único.” Gracias al tesón de su director, el Octeto ha creado un nuevo repertorio con obras de Bussotti, Denisov, Donatoni, Gubaidulina, Glass, Harvey, Kagel, Nobre, Riley, Pärt o Xenakis, entre muchos otros. Voces como Teresa Berganza, ernarda Fink, Claron McFadden, Pilar Jurado, Elena Gragera, han colaborado con el Octeto. Embajadores de la música española en el mundo, han tocado en los festivales y ciclos más destacados de Europa, Asia, Sudamérica y los EE.UU, tanto las obras de Albéniz, Granados, Falla, Turina, Gerhard, Nin o Guridi como las que les han dedicado De Pablo, Halffter, Turina, Marco, Prieto, Del Puerto, Greco, Charles, Erkoreka, Lazcano o Sánchez-Verdú. En esta nueva etapa, el Octeto Ibérico de Violonchelos está compuesto por un grupo excepcional de chelistas, en gran mayoría españoles, que ya están trabajando en nuevos e innovadores programas para las próximas temporadas. Elena Gragera, mezzosoprano.
Continuamente solicitada por los principales escenarios musicales del país: “L´Auditori” de Barcelona, Festival I. de Santander, F. I. de Torroella de Montgrí, CDMC, Palau de la Música, Festival de Otoño (Madrid), Teatro Principal (Alicante), Salamanca 2002...; Recitales en Wigmore Hall (Londres), Teatro del “Ermitage” (San Petersburgo), Sala Tchaikowsky (Moscú), Halle aux Grains (Toulouse), Geementemuseum (Países Bajos), Salle Cortot de París...; es alabada tanto por su alta calidad artística y profundización e interioridad que imprime a sus interpretaciones, como por la originalidad e innovadoras propuestas de los programas que propone, siendo considerada por la crítica especializada una de las mejores recitalistas españolas de la actualidad y con mejor proyección europea. Dentro de su faceta liederística alcanza un gran éxito su ciclo de "Robert Schumann: Lieder de 1840" en la Fundación March de Madrid, siendo destacada por los críticos Antonio Iglesias: "Atractivo timbre, sensibilidad exquisita... precioso ciclo, jornada en verdad memorable"; o Juan A. Vela del Campo: "Innata musicalidad que llega a convertirse en magnética... el encanto indefinible de la seducción intimista". Su ya extenso catálogo de grabaciones ha sido elogiado y premiado por las más importantes publicaciones musicales: “Veinte Cantos Populares”, Joaquín Nin.“ COLUMNA MÚSICA” (Disco seleccionado del mes de enero 2004 (“CD COMPACT”) (Disco del mes de septiembre: “Classic Web”): “Descubrimiento de gran importancia tanto por la música como por la sobresaliente mezzosoprano Elena Gragera, intérprete ideal para el “lied” alemán y la “Mélodie”. Esperamos con expectación sus próximos CD´s en este terreno”: Christopher Howell (Disco excepcional del mes- Septiembre 2003- (SCHERZO): “A la altura del trabajo de Joaquín Nin está la interpretación de Elena Gragera y Antón Cardó, emocionada, intensa, directa, llena en comunión con el autor” Luis Suñen “Canciones para voz y piano” Robert Gerhard “HARMONÍA MUNDI” “Integral de la obra para voz y piano de Ernesto Halffter” “COLUMNA MUSICA” “Integral de la obra para voz y piano de Isaac Albéniz” “CALANDO” “Poemas de García-Lorca” “SALINAS RECORD” (Disco del mes –Mayo 1998- (FNAC) “Canciones para voz y piano” Joaquín Nin-Culmell “COLUMNA MÚSICA” (Seleccionado por “FANFARE”/USA- octubre 2003): “Fabulosa interpretación de Elena Gragera: claridad de dicción, proyección, seductor color y timbre, de amplia extensión dinámica...” Henry Fogel “Album de Comendadoras”, -Eduardo Rincón / Pepe Hierro- “COLUMNA MÚSICA Acaba de grabar la integral de canciones de Federico Mompou para el sello "AUTOR" "Integral de las canciones de Federico Mompou" AUTOR/SGAE" "Cánticas Sefaradíes del S. XX "COLUMNA MÚSICA" (Seleccionado por "MUSICORA" - marzo 2007) "Pasión Argentina" (Con el Octeto Ibérico de Violoncellos, dirección: Elías Arizcuren) "CHALLENGE" Colabora con directores de la talla de Helmut Rilling, Wiliam Christie, Antoni Ros Marbá, Alexis Soriano o Enrique García Asensio, estrenando obras como “Cantata de José Pradas” de Nin-Culmell con la orquesta de L´Ermitage” de San Petersburgo bajo la dirección de Alexis Soriano; la grabación para el sello “Autor” de “La Celestina” (Felip Pedrell) en el “rol” de Celestina, con la Orquesta Ciudad de Barcelona y Nacional de Cataluña bajo la dirección del maestro Ros Marbá, con la que obtiene también un gran éxito con Arias de Concierto como “Ch´io mi scordi di te” y “Vado, ma dove” de Wolfgang A. Mozart; o su colaboración con el Cuarteto Mondriaan estrenando “Mudas” de José Luis Greco, así como su destacada colaboración con el Octeto Ibérico de Violoncellos, de gira por Holanda, Inglaterra (recital en el Wigmore Hall de Londres, con gran éxito de público y crítica) México y Estados Unidos; estreno de Sinfonía Bíblica de Eduardo Rincón con la ONE en el Festival de música sacra de Cuenca bajo la dirección del maestro Josep Pons. Elías Arizcuren
En 1981, realiza un video-método sobre la técnica del violonchelo en varias lenguas considerado, hoy, como una referencia obligada. Ha escrito obras sobre la historia del violonchelo y está editando una colección de obras del repertorio. Dirige con asiduidad cursos en España y en el extranjero, es jurado de concursos internacionales. Durante décadas ha sido catedrático de las Altas Escuelas de Amsterdam y Utrecht, actividad que ha compaginado con la dirección. Profesor invitado en los centros más importantes, de sus cátedras han salido numerosos violonchelistas con proyección internacional. Tras el último concierto en Amsterdam, el Alcalde Sr. Cohen, en nombre de la Casa Real Holandesa, le puso la medalla de la Orden de Oranje-Nassau con el grado de caballero. Para una sala abarrotada, el Alcalde resaltó “… la increíble aportación de Elías Arizcuren durante los últimos 40 años a la vida musical holandesa como violonchelista, como pedagogo y como defensor infatigable de la música contemporánea”. | arriba | Violonchelistas Irina Comesaña Estudió en España y Alemania. En la actualidad es miembro de la Orquesta de RTVE y profesora de violoncello y música de cámara, actividades que compagina con una extensa actividad camerística. Josetxu Obregón Profesor del Conservatorio Superior de Madrid y director de la agrupación “La Ritirata”. Josep Trescolí Estudió en España ( Maria Mircheva, Lluís Claret y Asier Polo) y en Austria ( Wolfgang Herzer). Miembro fundador del Alart Quartet y violonchelo de la orquesta nacional de España. John Stokes Se formó en Barcelona y Filadelfia. Violonchelo solista de la Orquesta de la Comunidad de Madrid desde 1998. Desarrolla una intensa actividad en diversas agrupaciones de relieve. Michal Dmochowski Estudió en Varsovia y Madrid; premiado en concursos internacionales, es profesor en la Escuela Superior Reina Sofía. Ha tocado como solista en EE.UU, Sudamérica y varios países europeos. Graba para Lux. Angel García Jermann Violonchelo solista de la Orquesta Sinfónica de RTVE y catedrático en el Conservatorio Superior de Música de Madrid, se formó en España, EE.UU y Alemania con Starker, y Pergamenschikow. Estrenó en España la obra para violoncello “Solo”de C. Halffter y el Alberto Gorrochategui Estudió en Madrid y París. Ganador de concursos de violonchelo y de música de cámara, ha colaborado con la orquesta de la RTVE y realizado grabaciones para RNE y ARSIS. Actualmente es el violonchelista del Trío Ataúlfo Argenta. Miguel Jiménez Peláez Violonchelo solista de la Orquesta Nacional de España (ONE) y de la Orquesta de Cámara Reina Sofía. Se formó en Madrid y Freiburg (Alemania). Mantiene una | arriba | Notas al programa Marlos Nobre, compositor
Pianista, director de orquesta y compositor, tiene tras de sí una extensa producción musical, iniciada en 1959. Ha colaborado con las principales orquestas del mundo y recibido infinidad de premios y reconocimientos. Fue director musical de la Radio MEC y de la Orquesta Sinfónica Nacional (desde 1971 hasta 1976); primer director del Instituto Nacional de Música en Funarte (desde 1976 hasta 1979); presidente de la Academia de Música Brasileña (desde 1985 hasta 1995) y presidente del Consejo Internacional de Música de la UNESCO (1986 – 1987). En la actualidad (2006) es presidente del comité Nacional de Música de IMC/UNESCO, director del Programa de Música Contemporánea de Radio MEC-FM de Brasil, presidente de Juventudes Musicales de Brasil y Presidente de Ediciones Música Nova de Brasil. La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid entregó el VI Premio Iberoamericano de Música Tomás Luis de Victoria 2005, al compositor brasileño Marlos Nobre (Recife, Pernambuco, 1939). El Tomás Luis de Victoria, considerado “el Cervantes de la música culta”, es el mayor reconocimiento para autores vivos en el ámbito hispanoamericano y lusófono, tanto por la categoría del jurado como por su dotación económica, de 60,000 euros. Nobre se alzó con el galardón entre un total de 57 compositores finalistas provenientes de 17 países iberoamericanos. | arriba | Enric Morera i Viura, compositor
En su infancia se traslada a vivir a Buenos Aires (Argentina). El padre, músico, lo inició, en esta ciudad, en sus conocimientos musicales, y más tarde 1875 en Córdoba también en Argentina. Antes de su regreso a Barcelona, el gobierno argentino le encargó la composición de algunas obras como "Himno a la patria" y "Mayo". En 1883 vuelve a Barcelona donde se relacionó con los más destacados músicos de aquel tiempo, como Isaac Albéniz y prosiguió sus estudios musicales con los maestros Vidiella (piano) y Felip Pedrell(composición). A esta época corresponden composiciones como el poema sinfónico "Introducció a l'Atlàntida", escrito en el año 1893. Posteriormente residió en Bruselas, donde perfeccionó sus conocimientos musicales con Paul Gibson y Philippe Févez. Más tarde marchó nuevamente a la Argentina, hasta que en el año 1890 se instala definitivamente en Barcelona, donde desarrolló una activa vida musical que lo llevó muy pronto a ser uno de los más destacados representantes del Modernismo Musical Catalán. A esta época corresponden obras como la ópera "La fada" (El hada), que fue estrenada durante la "Quarta Festa Modernista" (Cuarta Fiesta Modernista), organizada por Santiago Rusiñol en Sitges en el año 1897, y que se dedicó muy especialmente a la música. Un poco antes, en el año 1895, fundó la coral "Catalunya Nova". La vitalidad musical de Morera se expresa en la composición de más de 800 obras de todos los tipos: conciertos, corales, música escénica, obras sinfónicas, óperas, sardanas, etc. Morera es uno de los ejemplos más brillantes del nacionalismo musical catalán, fue compositor de sardanas. Algunas de sus obras se han incorporado al imaginario popular, sentimental y nacional catalán con composiciones como "La santa espina", "L'Empordà", "Les fulles seques", " La sardana de les monges", etc. Morera también fue autor de obras teóricas sobre la música, como un "Tractat pràctic d'harmonia" (Tratado práctico de armonía). También dejó escritas unas memorias "Moments viscuts" (Momentos vividos), que se publicó en el año 1936. Murió en Barcelona el 12 de marzo del año 1942.
| arriba | Manuel De Falla, compositor
| arriba | Silvestre Revueltas, compositor
Silvestre Revueltas Sánchez (Santiago Papasquiaro, Durango, 31 de diciembre de 1899 - Ciudad de México, 5 de octubre de 1940) compositor mexicano modernista de la primera mitad del siglo XX de música sinfónica, violinista y director de orquesta. Es el más grande compositor mexicano. A Revueltas se le ha considerado el embajador musical de México en el mundo. La música de Revueltas ha despertado el interés musicológico internacional, fenómeno que se observó sólo hasta 50 años después de su muerte. Las diferentes investigaciones están perfilando a un compositor cuya importancia lo coloca dentro de las creaciones más originales de la música del siglo XX. De acuerdo a diversos autores, se trata del único compositor de genio que ha tenido México. Incluso Peter Garland, uno de sus principales estudiosos, lo considera el mejor compositor surgido en Latinoamérica. Sea como fuere, su breve catálogo de obras es suficiente para considerar a un autor de dimensiones universales, que no necesita la cantidad para sobreponerse a sus contemporáneos. Los estudios muestran a un autor que no coincide con la estética del nacionalismo mexicano como fue durante largo tiempo encasillado, sino que está en contacto con las últimas vanguardias de su tiempo, en lo que Yolanda Moreno Rivas considera un estilo altamente informado y que trascendió al mismo nacionalismo. En 1943, tres años después de la muerte del autor, Rosaura Revueltas, hermana del compositor, adquirió los derechos de todos los manuscritos de Revueltas, los cuales permanecían sin publicar debido a que el compositor prácticamente no publicó ninguna obra en vida. Rosaura relata la enorme y difícil tarea de la publicación y difusión, que personalmente y sin ninguna ayuda realizó para la publicación en los Estados Unidos de las obras de Revueltas, que había muerto en la pobreza y el olvido a los 40 años. El rechazo de su obra durante largo tiempo y el poco reconocimiento generalizado, se debió en gran medida a sus filiaciones izquierdistas y de tendencias socialistas a las que Revueltas siempre fue fiel. La compleja situación de la publicación de sus obras originó que su música no esté en el dominio público, sino hasta después del año 2020. En 1998 apareció la primera publicación del catálogo completo de las obras de Revueltas; sin embargo, algunas de sus obras permanecen todavía sin editar. Cada vez se van realizando más grabaciones de la música de Revueltas mundialmente, todo en espera de la biografía definitiva que a casi 70 años de su muerte no ha aparecido. | arriba | Alberto Ginastera , compositor
De 1945 a 1948 abandona su país debido a su pésima relación con Perón. Va para Estados Unidos, donde estudia con Copland y Tanglewood. Cerca de 1956 expande su estilo musical más allá de los límites de la nacionalidad. Es la época de excelentes trabajos. En 1969 sale nuevamente de Argentina y va a vivir en Ginebra, Suiza. Su música es esencialmente tradicionalista. Una ecléctica síntesis de técnicas de varias escuelas musicales está evidente en su composición más famosa, la ópera Bomarzo. Quedó famoso como compositor de fuerte sentimiento nacionalista, a pesar de haber influencias de la música internacional que se producía en Europa después de la Segunda Guerra Mundial. Su obra puede ser dividida en 3 períodos: nacionalismo objetivo, nacionalismo subjetivo y neo-expresionismo. Sus primeros trabajos pertenecen al primer período. Él caracterizó ese período como una etapa de "nacionalismo objetivo", en el cual las características de la música folklórica se reproducían abiertamente. Usa el folklore argentino y es influenciado por Stravinsky, Bartok y Falla. Son de este período: Danzas Argentinas op. 2 para piano, Estancia (ballet), las Cinco Canciones Populares Argentinas, Las horas de una estancia y Pampeana No. 1. El estreno de la suite orquestal de su ballet Estancia, consolidó su posición dentro de Argentina. A partir de 1948 comienza a usar técnicas de composición más avanzadas. Es el período de nacionalismo subjetivo, sin posiciones revolucionarias. Abandona los elementos populares tradicionales, pese a continuar usándolos simbólicamente. Jamás abandona las tradiciones argentinas. Son de esta fase Pampeana No. 3 para orquesta, y Sonata para piano No. 1. Durante ese segundo período, que comienza con la Sonata para piano, Ginastera adoptó la técnica dodecafónica. Su concepción a respecto de la técnica siempre fue libre y totalmente personal, y su música tuvo siempre características inconfundiblemente nacionalistas. El Cuarteto de cuerda No. 2 tiene la misma calidad rítmica que aparecía en sus primeras obras y, a pesar del uso de técnicas dodecafónicas, ese cuarteto es esencialmente tonal. En este período las características étnicas, a pesar de estar presentes con una forma sublimada, se aplican de una manera menos consciente. El período neo-expresionista, comienza aproximadamente en 1958. Está marcado por una búsqueda continua de los procedimientos técnicos más avanzados y una disminución de la importancia que hasta poco otorgara a las características nacionales explícitas. No hay más folklore, pero continúa habiendo elementos argentinos, como él mismo dijo. Además de una aproximación cada vez mayor a la forma dodecafónica, respondió a algunas de las nuevas corrientes que surgieron después de la Segunda Guerra Mundial, integrando ciertos aspectos de la composición aleatoria y microtonal dentro de su propia orientación estilística general. Las obras más importantes de este período fueron las óperas Don Rodrigo, Bomarzo y Beatrix Cenci, que tuvieron gran éxito y lo situaron como el compositor latinoamericano más importante de su tiempo. De este último período tenemos aún dos Conciertos para piano, un Concierto para violín, el Popol Vuh para orquesta, el Concierto No. 2 para cello y orquesta y la Cantata para América Mágica. | arriba | Astor Piazolla, compositor
Astor Pantaleón Piazzolla, nacido el 11 de marzo de 1921 en la ciudad de Mar del Plata, pasó la infancia entre Buenos Aires y Nueva York más en la segunda ciudad que en la primera. Empezó a estudiar música a los 9 años en los Estados Unidos, dando continuidad en Buenos Aires y en Europa. En 1935 tuvo un encuentro casi místico con Carlos Gardel, al participar como extra en el filme El Día que me Quieras. Su carrera comienza verdaderamente al participar como bandeonista en la orquesta de Aníbal Troilo. En 1952 gana una beca del gobierno francés para estudiar con Nadia Boulanger, quien lo incentivó a seguir su propio estilo. En 1955 Astor vuelve a casa y forma el Octeto Buenos Aires. Su seleccionado de músicos en una experiencia similar a la jazzística norteamericana de Gerry Mulligan termina por delinear arreglos atrevidos y timbres poco habituales para el tango, como la introducción de la guitarra eléctrica. La presencia de Astor generó de entrada resquemores, envidia y admiración entre la comunidad tanguera. En los años '60 Piazzolla debió salir a defender a golpes de puño su música, avasallada por las fuertes críticas. La controversia iba a propósito de si su música era tango o no, a tal punto que Astor tuvo que llamarla "música contemporánea de la ciudad de Buenos Aires". Pero no era sólo eso: Astor provocaba a todos con su vestimenta informal, con su pose para tocar el bandoneón (actuaba de pie, frente a la tradición de ceñirse al fueye sentado) y con sus declaraciones que sonaban a reto. La formación de la primera parte de los 60 fue, básicamente, el quinteto. Su público estuvo integrado por universitarios, jóvenes y el sector intelectual, si bien estaba lejos de ser masivo. Astor ya tenía fama de duro y bravo, de peleador, estaba en pleno período creativo y se rodeó de los mejores músicos. Con Adiós Nonino, Decarísimo y Muerte de un Ángel comenzó a elaborar un camino de éxito, que tendría picos en su concierto en el Philarmonic Hall de Nueva York y en la musicalización de poemas de Jorge Luis Borges. En sus últimos años, Piazzolla prefirió presentarse en conciertos como solista, acompañado por una orquesta sinfónica con alguna que otra presentación con su quinteto. Es así que recorrió el mundo y fue ampliando la magnitud de su público en cada continente, por el bien y la gloria de la música de Buenos Aires. Astor Piazzolla falleció en Buenos Aires el 4 de julio de 1992, pero dejó como legado su inestimable obra que abarca unos cincuenta discos y la enorme influencia de su estilo. En realidad, la producción cultural sobre Piazzolla parece no tener fin: se esparce al cine y al teatro, es constantemente reeditada por las discográficas y cobra vida en la Fundación Piazzolla, liderada por su viuda, Laura Escalada. | arriba |
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Sin duda, una de las carreras más sólidas y llena de interés que está llamando poderosamente la atención de los medios musicales en España por su interesante trayectoria artística es la de la mezzosoprano Elena Gragera.
Elías Arizcuren, director y violonchelista, nacido en el País Vasco, estudió con su padre, Gaspar Cassadó, André Navarra y Sandor Végh. En 1969, en Amsterdam, funda el Trío Mendelssohn, conjunto con el que hace una gran carrera internacional tanto en Europa como en los EE.UU y cuenta, además, con una extensa discografía.
El compositor brasileño Marlos Nobre nació en Recife, Pernambuco, el 18 de Febrero, en 1939. Estudió piano y teoría musical en el Conservatorio de Pernambuco (1948 – 1959) y composición con H.J. Koellreutter y Camargo Guarnieri (1960 – 1962). Posteriormente, con una beca de la Fundación Rockefeller, siguió estudios avanzados en el Centro Latinoamericano de Buenos Aires, con Ginastera, Messiaen, Malipiero, Copland y Dallapiccola (1963 – 1964). Trabajó, incluso, con Alexander Goehr y Gunther Schuller en el Berkshire Music Center en Tanglewood (1969), donde tuvo contacto con Leonard Bernstein. El mismo año estudió música electrónica en el Columbia Electronic Music Center de Nueva York. 
(Barcelona, 22 de mayo de 1865 – 12 de marzo de 1942)
Nació en Cádiz el 23 de noviembre de 1876; murió en Alta Gracia, Argentina, el 14 de noviembre de 1946 (pero fue enterrado en la cripta de la Catedral de Cádiz). Andaluz por su padre, catalán por su madre, es un auténtico representante de la música española de este siglo. Sin embargo, de 1907 a 1914 vivió en París, donde sufrió la influencia de sus amigos Debussy –del que siempre estuvo más cerca-, Dukas y Ravel. Su preocupación por la forma, la concisión de la expresión (aún sometida al espíritu del folklore andaluz), la claridad, la sobriedad de la instrumentación, hacen de De Falla un “clásico”. Su producción no es precisamente inmensa y en ella tiene un lugar muy importante la voz, incluso en sus obras de música instrumental. Cuenta con dos ballets: “El amor brujo” y “El sombrero de tres picos”, que se dan a menudo en concierto en sus versiones sinfónicas, y las no menos célebres “Noches en los jardines de España” y la suite para orquesta “Homenajes”, que se suele escuchar con menos frecuencia.
La vida de Silvestre Revueltas estuvo llena de rasgos singulares, comenzando por la fecha de su nacimiento el 31 de diciembre de 1899: el último día del siglo XIX. Fue Silvestre el primero de 12 hijos, de los cuales también serían famosos Fermín como pintor, José como escritor, y Rosaura como actriz. Dotado de un precoz talento, se inició en la música estudiando violín. Gracias al apoyo de su padre, pudo continuar sus estudios fuera de su lugar natal. En 1913 ya era alumno de composición de Rafael J. Tello, uno de los más importantes maestros de aquel entonces en la ciudad de México. En 1917 viajó a Estados Unidos, y se graduó dos años más tarde en el Chicago Musical College con las especialidades de violín, armonía y composición.
Nació en Buenos Aires, Argentina, el 11 de abril de 1916. Murió en Ginebra, Suiza, el 25 de junio de 1983. En 1941 es ya Profesor de Composición en el Conservatorio Nacional, y poco después contrae matromonio con Mercedes del Toro. Su primer trabajo importante fue el ballet Penambí, que lo hizo conocido en toda Argentina. 
La música de Astor Piazzolla es sin dudas una de las mayores expresiones artísticas que la Argentina ya dio al mundo. Incorporando al tango un poco de jazz y un poco de música clásica, Piazzolla alcanzó un resultado formidable y a la vez innovador, sofisticando ese ritmo porteño y revolucionando sus conceptos.