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| Programa general | Teatro Degollado | Domingo 23 Lugar: Teatro Degollado Salas Mobili de Juan Orrego (1919- ) Sonata para viola y piano, Op. 78, en Re Mayor de I -Vivace non troppo [11'] Intermedio Sonata para viola y piano, Op. 147, en do Menor de Dimitri Shostakovich (1906-1975) I -Vivace non troppo [11' 20"] Admisión: de $50.00 a $100.00 pesos Roberto Díaz, viola
En actuaciones recientes ha colaborado con la Sinfónica de Kansas con Michael Stern, la Sinfonía del Nuevo Mundo con Michael Tilson Thomas, la Filarmónica de Holanda con Yakov Kreizberg, la Orquesta de Filadelfia con Gilbert Varga y la Sinfónica de Bilbao con Juanjo Mena. En 2007 Roberto Díaz interpretó el concierto de Penderecki en el Carnegie Hall con Christoph Eschenbach y la Sinfónica de Curtis. Otros compromisos orquestales incluyen la Sinfónica Nacional de Estados Unidos, la Orquesta de Filadelfia, Boston Pops, la Orquesta Nacional de España y la Orquesta Simón Bolivar. Ha colaborado con directores como Rafael Frühbeck de Burgos, Riccardo Chailly, Charles Dutoit, Hugh Wolff and David Zinman. Ha trabajado con importantes compositores de los siglos XX y XXI incluyendo a Krysztof Penderecki y Roberto Sierra. Las grabaciones de las transcripciones de W. Primrose con el pianista Robert Koening recibieron una nominación al Grammy por Mejor Actuación Instrumental Solista sin Orquesta. Un músico de cámara activo, Roberto Díaz se ha presentado con artistas como el cuarteto Emerson, Emanuel Ax, Christoph Eschenbach, Yo-Yo Ma, Wolfgang Sawallisch e Issac Stern. Se ha presentado en los festivales de Kuhmo, Marlboro, Mostly Mozart, en el Lincoln Center, Spoleto y Verbier, entre otros. Como miembro del Trío Díaz, con el violinista Andrés Cardenes y el cellista Andrés Díaz, ha tocado a lo largo de los Estados Unidos, Canadá, Europa, México y Chile. Roberto Díaz fue violista principal en la National Symphony bajo la dirección de Mstislay Rostropovich, miembro de la Sinfónica de Boston con Seiji Ozawa y miembro de la Orquesta de Minnesota con Sir Neville Marriner. Ha recibido numerosos premios, incluyendo reconocimientos en el concurso internacional de viola de Naumburg y Munich, y apareció en la portada del número de Enero 2003 de The Strad. Andrew Tyson, piano
En 2008 asistió a la Taos School of Music, donde trabajó asiduamente con Robert McDonald, así como con los Cuartetos de Cuerdas Borromeo, Brentano y el de St. Lawrence. A partir de ese año se ha convertido en un intérprete activo de la música de cámara y se presentó en una temporada en el Bowdoin College, en la serie de conciertos de la Bay Chamber Concert en Rockport, Maine, en el Brevard Music Festival, colaborando con Roberto Díaz y Joseph Silverstein. Además, se presentará en el Festival de Sintra en Portugal con el violinista Ray Chen. En septiembre de 2009, Andrew colaboró de nuevo con Ray Chen en varios recitales para el Festival de Bourlingster en Luxemburgo, en el Club de Leones de Saint Niklaas en Bélgica y en el Royal Conservatory de Bruselas. La Suite 1919 para Viola y Piano de Ernest Bloch fue presentada en diciembre con Roberto Días en el Coolidge Auditorium de la Librería del Congreso de Estados Unidos, como parte de una celebración de la vida del compositor en el Quincuagésimo Aniversario de su fallecimiento. Andrew ha participado en clases maestras con Robert McDonald, Garrick Olssohn, Jonathan Biss, Lambert Orkis y Krzysztof Penderecki. Febrero 2010. Notas al programa Juan Orrego, compositor
Johannes Brahms, compositor
En 1857-59 fue director de música de Detmold. Las dos Serenatas, sus primeras dos obras para orquesta sola, datan de 1858 y 1860. No habiendo podido encontrar un empleo estable en su ciudad natal, Brahms fija su residencia en Viena a partir de 1862 y ya no abandona esta ciudad, salvo para sus giras o sus temporadas de descanso. En 1864 encuentra a Wagner, que inmediatamente le perseguirá con su malevolencia. Por el contrario, Brahms se beneficiará toda su vida del apoyo incondicional, aunque torpe, de Hanslick, el célebre crítico. Los años sesenta los consagra a la composición de algunas de sus grandes obras para piano (Variaciones sobre un tema de Haendel, Variaciones sobre un tema de Paganini), a la música de cámara y al Réquiem alemán. Hasta 1873 no vuelve el compositor a trabajar la escritura para orquesta con las Variaciones sobre un tema de Haydn, inmediatamente seguidas de su Primera Sinfonía, cuyos bocetos remontan nada menos que a mediados del año 1850, y que fue acabada en 1876. La Segunda Sinfonía lleva la fecha de 1877 y es seguida el mismo año por el Concierto para violín, que sigue siendo una de sus obras mas célebres. De 1872 a 1875. Brahms dirige la Sociedad de Amigos de la Música de Viena. En 1878 conoció a Dvorak, a quien admiró y sostuvo. En 1879 efectúa una gira con Joachim. Una de sus obras maestras, su Segundo Concierto para Piano, la terminó el año 1881. Sus Tercera y Cuarta sinfonías siguieron inmediatamente a este concierto, después de lo cual Brahams no volvió a la orquesta hasta que en 1888 escribió su bello y original Doble Concierto para Violín y Violoncelo. Heredero de Beethoven por el contenido conflictivo de su música, de Schubert por su apego al tematismo popular, de Schumann por su lirismo y su sentido del heroísmo caballeresco, Brahms estuvo muy cerca también de los maestros y de los modelos clásicos y preclásicos. Toda su vida fue refractario a la ópera y a la música “de programa”; exaltó la música pura, romántico por naturaleza, pero clásico por su preocupación por una arquitectura y un estilo tradicionales. Sus sinfonías son modelos de equilibrio y densidad, pero es, sobre todo en las Variaciones Sobre un Tema de Haydn y en sus obras de concertantes, donde mejor demuestra sus cualidades de la factura y el alcance emocional de su inspiración. Dimitri Shostakovich, compositor
Sin embargo, a pesar de ser considerado, junto a Prokofiev, el compositor más representativo de la desaparecida Unión Soviética, su carrera no fue fácil: premios y condecoraciones –entre los que se contaban los Premios del Estado y Lenin y la distinción de Artista del Pueblo–, se alternaban con continuas persecuciones y condenas por parte del mismo régimen que lo laureaba, bajo la acusación de realizar una música antipopular y en exceso moderna. Todo ello dejó su huella en el estilo de sus últimas composiciones, caracterizadas por un tono amargo y sombrío, así como también por una crudeza que contrasta con el espíritu jovial y desenfadado de las primeras. Nacido en el seno de una familia en la cual la cultura ocupaba un lugar importante, Shostakovich recibió sus primeras lecciones musicales de su madre, pianista profesional, a una edad que se puede considerar relativamente tardía, los nueve años. Ante sus grandes progresos, en 1919 ingresó en el Conservatorio de Leningrado, en donde tuvo como principal maestro a Aleksandr Glazunov. Huérfano de padre desde 1922, Shostakovich proseguía sus estudios al mismo tiempo que, para mantener a su familia, tocaba en diversas salas de cine como pianista acompañante. El estreno en 1926 de su sorprendente Sinfonía núm. 1, escrita en ocasión de su graduación en el conservatorio, atrajo inmediatamente sobre él la atención del mundo musical. Las obras inmediatamente posteriores, como la ópera La nariz o el ballet La edad de oro, no hicieron sino confirmar el talento de un joven compositor especialmente dotado para la sátira. La carrera ascendente de Shostakovich sufrió un inesperado revés con el estreno en 1934 de su segunda ópera, Lady Macbeth de Mtsensk: entusiásticamente recibida por el público, tanto en Leningrado como en su posterior escenificación en Moscú, fue retirada de cartel tras la aparición de una crítica en el diario oficial Pravda, titulada Caos en lugar de música, en la que se acusaba al compositor de haber escrito un «concierto de aullidos», ajeno a los presupuestos de la música socialista, que debía ser clara y fácilmente asequible. Se iniciaba así una larga y contradictoria relación con el régimen estalinista: mientras en Occidente era considerado el compositor oficial soviético, en su propio país Shostakovich hubo de sufrir las injerencias de sus autoridades culturales, a pesar de lo cual, y pese a su aparente aceptación tácita de los preceptos del realismo socialista, consiguió mantener siempre su independencia creativa. Los estrenos de la clásica Sinfonía núm. 5 y, sobre todo, de la patriótica Sinfonía núm. 7 «Leningrado», símbolo de la lucha del pueblo ruso contra el invasor nazi, rehabilitaron a un compositor que en 1948 volvió a ver de nuevo prohibida la ejecución de sus obras, bajo el estigma del formalismo. Tras la muerte de Stalin en 1953, la música de Shostakovich se hizo más personal, y se tradujo en una larga serie de partituras presididas por la idea de la muerte. Es el caso de las tres últimas sinfonías y de sus cuartetos de cuerda, un género que el compositor convirtió en el medio idóneo en el cual expresar sus preocupaciones y miedos de una manera privada, sin necesidad de recurrir a máscaras o disfraces. Su música, sobre todo la de estos años postreros, ha influido considerablemente sobre la de sus compatriotas más jóvenes, como Alfred Schnittke o Edison Denisov, entre otros.
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Un violista de renombre internacional y presidente del Curtis Institute of Music, Roberto Díaz sigue los pasos de anteriores directores/solistas como Rudolf Serkin, Gary Graffman y Josef Hofmann. Como profesor de viola en Curtis, y antiguo violista principal de la orquesta de Filadelfia, Roberto Díaz ha tenido ya un impacto significativo en la vida musical americana como educador y como músico.
A la edad de 23 años, el pianista Andrew Tyson ya ha recibido muchos reconocimientos y premios, incluyendo el Segundo Premio en el Concurso de Música para piano de Chopin, patrocinado por la Fundación Kosciuszko, así como una Medalla de Plata de la National Foundation for the Advancement of the Arts. Estudia actualmente su último año de carrera con Claude Frank en el Curtis Institute of Music. El señor Tyson se ha presentado en muchas prestigiadas salas de concierto, incluyendo la Fundación Nacional Chopin en Miami y el Centro de Artes Baryshnikov en Nueva York y se le escucha a través de las transmisiones de la WQXR de New York. Andrew Tyson se ha presentado como intérprete solista con la Guilford Symphony Orchestra en el Eastern Music Festival, con la Durham Symphony, la Raleigh Symphony, la Chapel Hill Philharmonia y también con la Old York Road Symphony.
(Santiago de Chile, 1919) Compositor chileno. Formado en su ciudad natal, completó sus estudios con R. Thompson y A. Copland en EE UU. Ha sido profesor de historia de la música y director, desde 1949, de la Revista Musical Chilena. En 1962 creó en la Universidad de Indiana, en Estados Unidos, un Lentro latinoamericano de Música. Ha escrito música sinfónica, vocal, instrumental, de cámara y para la escena: Cantata de Navidad para soprano y orquesta (1945); Escenas de Cortes y pastores (1946); Obertura festiva para orquesta (1947); el ballet Juventud (1948); la ópera-ballet El retablo del rey pobre (1952); el oratorio Los días de Dios (1976); Bolívar (1982), Balada para violonchelo y piano (1983) y Concierto para violín y orquesta (1983).
Nacido en Hamburgo el 7 de mayo de 1833; muerto en Viena el 3 de abril de 1897. Comenzó a estudiar música con su padre, que tocaba la trompa y el contrabajo, y estudió piano con Kossel y la composición con Marxen. En su juventud fue pianista de cabaret y dio lecciones, pero a partir de 1848 empezó a dar recitales. En 1853 efectuó una gira acompañando al violinista húngaro Edouard Remenyi, que le enseñó las melodías populares húngaras (de hecho zíngaras), pero con quien riñó pronto. El mismo año conoció a Joachim y a Schumann, que le animó calurosamente. Brahms conservó toda su vida relaciones de estrecha amistad con Clara Suman. Entre 1854 y 1859, escribió su Primer concierto para piano, que marca el final del primer período de su obra, llamada “Sturm und Drang”. 
(Nació en San Petersburgo, 1906, murió en Moscú, 1975) Compositor soviético. Su producción abarca todos los géneros: la ópera, la comedia musical, la sinfonía, la miniatura para piano, la música concertante, la cantata, el cuarteto de cuerda y la música para el cine. Autor prolífico, escribió un total de 147 números de opus, correspondientes muchos de ellos a obras que hoy se cuentan entre las páginas más interpretadas y grabadas del repertorio.