Festival Cultural de Mayo Jalisco 2009
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Concierto Viernes  22 de Mayo

 Orquesta Filarmónica de Jalisco
Toshiyuki Shimada, director invitado
Naoko Takada, marimba

Programa

Obertura “La Forza del Destino" de Giuseppe Verdi (1813- 1901)
[8 min]

Concierto para Violín No.1 en la menor de J. S. Bach (1685 –1750)
(Transcripción para marimba)
[15 min]

I- Allegro Moderato
II- Andante
III- Allegro assai

Prism Rhapsody para marimba de Keiko Abe (1937 - )
[16 min]

Intermedio

Preludio a la siesta de un Fauno de Claude –Achille Debussy (1862- 1918)
[10 min]

Adagio para cuerdas Op. 11 de Samuel Barber (1910- 1981)
[10 min]

Daphnis et Chloe “Suite No. 2” de Maurice Ravel (1875-1937)
[18 min]

Lugar: Teatro Degollado
Hora: 20:30 Hrs.

TOSHIYUKI SHIMADA, director

Durante su distinguida permanencia de veintiún años como Director Musical de la Portland Symphonie en Maine, Toshiyuki Shimada es reconocido invariablemente por su profundo compromiso no sólo con la orquesta, sino también con toda la comunidad. En 1989 recibe el premio ASCAP por su selecta programación de música contemporánea, a más de múltiples honores de organizaciones cívicas por su vital contribución a la vida cultural de Portland. 
  
En la actualidad es Director Musical de la Yale Symphonie Orchestra; el Señor Shimada ha aparecido como director invitado, entre otras, con las orquestas Boston Pops, Chautauqua Orchestra, Edmonton Symphony, Honolulu Symphony, New Jersey Symphony, Pacific Symphony y la San Jose Symphony. En Europa, sus compromisos lo han llevado a dirigir la Orquesta Sinfónica de Berlín, Orquesta de la Radio Danesa en Copenhagen, Moravian Philharmonic de la República Checa. La NÖ Tonkünstler Orchestra de Viena, la Orchestre National de Lille, Real Orquesta Nacional Escocesa en Edimburgo y la Orquesta Filarmónica de Eslovaquia.

Toshiyuki Shimada es el Director principal de Vienna Modern Masters, empresa discográfica de la República Checa, y mantiene un activo programa de grabaciones con la Moravian Philharmonic. Un elenco internacional participa en su décimo CD, “Sin Novedad en el Frente” en el que dirige la nueva ópera de Nancy Van de Vate,  

Antes de su nombramiento para la Sinfónica de Portland, el Señor Shimada pasó seis años con la Sinfónica de Houston, primero como Asistente y después como Director Asociado. Durante este periodo también fue Director de Música de la Nassau A
Symphony y Director Musical de Cambiata Soloists, ensamble de Música contemporánea de Houston. 

Nacido en Japón, Tosiyuki Shimada inició sus estudios de violín cuando tenía cuatro años y se unió al Coro de Niños de Tokio a los ocho años, convirtiéndose en director de ese mismo grupo a los once. Cuando tenía quince años su familia se cambió a los Estados Unidos donde se graduó tanto en Dirección como en Clarinete en la Universidad Estatal de California en Northridge, donde estudió con Lawrence Christianson. Entre sus otros maestros, se incluyen Hans Swarovsky (en la Hochschule für Musik de Viena), Leonard Bernstein, MichaelWilson Thomas, Daniel Lewis y Herbert Blomstedt.

NAOKO TAKADA, marimba

Si tiene dudas de que puede mantener su atención en un solo instrumento de baquetas durante un concierto completo, Takada las disipará”, escribió el Washington Post dela percusionista marimbista Naoko Takada. Durante la temporada de conciertos 2008-2009, la Señorita Takada actuará como solista con la Bellevue Philharmonic Orchestra en Washington, la Pensacola Symphony Orchestra de Florida y la Canton Symphony de Ohio, dando recitales y dirigiendo actividades educativas complementarias en cursos con la North Orange County Community Concerts Association de California, el Macomb Center for the Performing Arts y el Washington Center for the Performing Arts.

El primer CD de la Srita. Takada apareció en marzo de 2007, Marimba Meets the Classics, producido por Japan Victor Entertainment, Inc., lo que provocó el comentario de CD Baby: “El don de Naoko para este instrumento destaca tanto en su toque delicado y exquisito, como en el entusiasmo y pasión que transmite en cada interpretación”. 


Ha actuado como solista con las orquestas Sinfónicas de Houston, South Dakota, West Shore (MI), Anchorage, Mobile, Fargo-Moorhead (ND), Vallejo (CA), China National y Xalapa (México) Symphonies, the Boise and Louisiana Philharmonics, and the Chamber Orchestra of the South Bay (CA). Se presentó en el Festival Internacional de Marimba de Bélgica, y en una función de beneficencia para el Paul Newman´s Hole en Wall Gang Camp, donde apareció en el escenario con personalidades como Bruce Willis, Meryl Streep y Danny Glover. También ha hecho acto de presencia en el Festival Internacional de Percusiones de Argentina, el Festival Internacional de Percusiones KoSA en Vermont, el Festival de Marimba de Nancy Zeltsman y el Yamaha Sounds of Summer Drum Camp, en la Universidad Central de Washington.

La Señorita Takada obtuvo Primer Premio en Young Concert Artists International Auditions en 2002, y tocó en la Calle 92 Y de Nueva York para la Young Concert Artists Series, patrocinada por el Premio Meter Jay Sharp; también apareció en el Kennedy Center de Washington, DC, y en el Museo Isabella Stewart de Boston.  En Mayo de 2004 estrenó el Concierto para Marimba del compositor Kevin Puts, del Young Concert Artists, con Leonard Slatkin dirigiendo la Orchestra of St. Luke, en el Festival Anual de la YCA, Irene Diamond Concert.
 
Fue recientemente galardonada con el premio S & R Washington Award de la S & R Foundation, que apoya económicamente a los artistas que contribuyen a la comprensión entre los Estados Unidos y Japón. Sus otros premios incluyen: Primer Premio en el Concurso de 2002 de la Houston Symphony Ima Hogg Nacional Young Artists Competition en Texas, Primer Premio en la Sorantin Young Artists International Competition en Texas; el Premio Especial de Marimba en el Gran Concurso Internacional IBLA en Italia en 2001, a más del Primer Premio en el Concurso de 2002, celebrado en Tokio, de la Liga Internacional de Artistas de Japón.

La Señorita Takada es reconocida por su amplio repertorio, de Bach a Piazzola. Arreglista y ejecutante a la vez, Studio 4 Music ha publicado sus transcripciones como parte de las Naoko Takada Series, que también incluyen obras especialmente escritas para ella por compositores como Yasutaki Inamori, Paul Fowler, John Anthony Lennon y Hayato Hirose.  Comprometida a la difusión educativa, Takada participa en Adventure Concerts, serie educativa de conciertos que tiene lugar en las escuelas públicas de la ciudad de Nueva York, organizado por Midori & Friends.

Nacida en Tokio, empezó a estudiar marimba cuando tenía ocho años y apareció por primera vez como solista cuando tenía once, tocando con la Tokio Symphony y la Tokyo Chamber Orchestra. Estudió en Japón con Akiko Suzuki y Keiko Abe. Se graduó en Psicología por la Universidad Waseda de Tokio, y tras obtenerla decidió enfocarse en sus estudios de marimba, ingresando a la California State University en Northridge como estudiante de Karen Ervin-Pershing, donde obtuvo su Licenciatura en Música, para obtener después su Maestría del Ithaca Collage, trabajando con Gordon Scout. También ha estudiado en el Conservatorio de Boston con Nancy Zeltsman.  La Señorita Takada es una Artista representante de Yamaha, y además ha creado una línea de baquetas diseñadas por ella que se pueden obtener en Encore Mallets.

RESEÑAS

"Es emocionante ver y escuchar a Naoko Takada tocando la marimba; se mueve con gracia, rapidez y extraordinaria precisión. Esta tarde interpretará un programa de sus propios arreglos de Bach y Debussy, así como música nueva de los compositores Joseph Schwanter, Leigh Howart Stevens, Daniel Berg y Eric Ewazen, con un estreno mundial de una obra de Paul Fowler. Si tiene cualquier duda de que un solo instrumento de baquetas pueda mantener su atención por todo un concierto, Takeda puede disiparlas."

Washington Post, Domingo, Noviembre 17, 2002. Tim Page

KEIKO ABE, compositora - marimba

Keiko Abe nace en Tokio en 1937 y empieza a estudiar marimba cuando tiene 12 años después de escuchar un grupo de Misioneros americanos de la Oral Roberts University tocando la primera marimba que llegó a Japón. Se gradúa en composición y percusión en la Tokyo Gakugei University, tras lo cual organiza un trío de marimba que interpreta música popular; pero se siente frustrada con el alcance limitado del instrumento y en 1963 penetra al mundo de la música clásica contemporánea tocando percusiones con baqueta con la orquesta de NHK. Durante este periodo mantiene su propio programa por la televisión japonesa, en el que da clase de xilófono a niños, a la vez que presenta un show por radio llamado “Buenos Días Marimba”. También empieza a grabar CD con rapidez, increíble ya que en cinco años lanza 13 álbumes.
  
En 1963 la Corporación Yamaha estaba buscando intérpretes de marimba para que ayudaran a crear nuevos instrumentos, y Keiko Abe fue seleccionada por sus ideas claras y originales sobre el sonido y diseño de la marimba, en especial su concepto de la manera como el sonido de este instrumento debía fundirse con el del conjunto, por ejemplo, separándose de las inconsistencias y falta de foco de los instrumentos populares de percusión. Sus ideas para el sonido que deseaba obtener del instrumento fueron las guías para el diseño de Yamaha, que empezó a producir los instrumentos en 1970. Además, a instancias de Keiko, el alcance de la nueva marimba se extendió de cuatro octavas a cinco, lo que se ha convertido en un estándar para los solistas. Desde entonces la colaboración de Abe con Yamaha ha sido muy estrecha y la primera edición de baquetas para percutir teclados lleva su nombre.

Sus composiciones, incluyendo “Michi”, “Variaciones sobre Canciones Infantiles Japonesas” y “Sueño de los Cerezos en Flor”, se han convertido en estándares del repertorio de marimba. Abe también se ha ocupado de desarrollar la literatura para marimba, no sólo componiendo ella misma, sino también comisionando obras a otros compositores y alentando a las nuevas generaciones. Ha agregado por lo menos 70 composiciones al repertorio y, curiosamente, la mayor parte de sus obras empiezan como improvisaciones que son escritas posteriormente.

A más de sus múltiples creaciones, tours y agenda de grabaciones, Abe fue primero conferencista y luego profesora, desde 1969, en la Toho Gakuen School of Music en Tokio. Fue la primera mujer invitada al Percussive Arts Society Hall of Fame en 1993 y la primer intérprete que desarrolló la técnica de seis baquetas. Entre sus antiguos estudiantes se encuentra la afamada Evelyn Glennie. En sus conciertos utiliza la marimba YM-6000 que fabrica Yamaha.

Músicos invitados a la OFJ:
Miguel Angel Villanueva Rangel
Eveth Citlalli Valenzuela Millán
Félix Humberto Becerra Alvino
Sergio Rentería Castillo
Oswaldo Clemente Ascencio
Yuko Groves
Ana Silvia Guerrero González
Sergio Rentería Castillo
Imuris Alejandra Ulloa Morales
Víctor Jesús Frausto Zamora
Alan Lara

JOHANN SEBASTIAN BACH, compositor
(Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750)

Fue un organista y compositor alemán de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (alrededor de 120 músicos).
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre. 
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental, epicentro de la música occidental y uno de los grandes pilares de la cultura universal, no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto, y su máximo exponente,[5] donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart, pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.

Sus más importantes obras están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, los Conciertos para violín, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Partitas y sonatas para violín solo y las Suites orquestales.

CONCIERTO NO. 1 EN LA MENOR PARA VIOLÍN Y ORQUESTA DE CUERDA BWV 1041 DE J.S.BACH

De los tres conciertos para violín que se conservan, son los números BWV 1041 en la menor, 1042 en mi mayor y 1043 en re menor.  Aunque los dos primeros fueron escritos para violín solista y el tercero para dos violines, el acompañamiento es igual en los tres: dos violines, viola, violoncelo y continuo.
Su fecha de composición debe fijarse durante los años de estancia en Köthen (1717-23), sin que sea posible establecerla más en concreto.  Aquí hay que advertir que tanto Spiess como Marcus llevaban tres años de servicio en la capilla ducal cuando llegó Bach.  Marcus se marchó en 1722; Spiess, en cambio, siguió allí hasta su muerte, ocurrida en 1730.

La concepción general de estos conciertos es típicamente italiana, o, para ser más exactos, vivaldiana: todos constan de la clásica disposición alternada de tiempos rápidos y lentos (Allegro-Adagio-Allegro), con diálogo del solo con el tutti, etc,. Con todo, estas características sólo refieren a su forma externa, ya que estos tres conciertos son eminentemente bachianos.

Basta señalar algunos detalles para comprenderlo: en el primero y el tercer tiempos del Concierto en la menor (BWV 1041) se evidencia, ante todo, el trato que Bach le da al solista, profundamente diferentes del material sonoro expuesto en el tutti, aunque basado en él; en el segundo tiempo, Andante, está presente el ostinato en el bajo tan característico de Bach, que le confiere un carácter solemne y marcado, sobre el que destaca la florida melodía del solista.

CLAUDE ACHILLE DEBUSSY, compositor

Compositor francés cuyas innovaciones armónicas abrieron el camino de los radicales cambios musicales del siglo XX. Fue el fundador de la denominada escuela impresionista de la música. Nació en Saint-Germain-en-Laye el 22 de agosto de 1862 y se educó en el conservatorio de París, donde comenzó a estudiar a los diez años. En 1879 viajó a Florencia, Venecia, Viena y Moscú, como músico privado de Nadejda von Meck, mecenas del compositor ruso Peter Ilich Tchaikovski. Durante su estancia en Rusia conoció la música de compositores como Tchaikovski, Aleksandr Borodín, Mili Balakirev y Modest Musorgski, así como el folclore ruso y gitano. Debussy ganó en 1884 el codiciado Grand Prix de Roma, por su cantata El hijo pródigo. De acuerdo con los requisitos del premio, estudió en Roma, donde se instaló en la Villa Médici durante dos años y presentó de modo regular, aunque sin demasiada fortuna, nuevas composiciones al comité del Grand Prix. Entre estas obras se encuentran la suite sinfónica Printemps y una cantata, La señorita elegida, basada en el poema The Blessed Damozel del escritor británico Dante Gabriel Rossetti.

Durante la década de 1880, las obras de Debussy se interpretaron con frecuencia, y a pesar de su por entonces, naturaleza controvertida, se le empezó a valorar como compositor. Entre sus obras más importantes cabe destacar el Cuarteto en sol menor (1893) y el Preludio a la siesta de un fauno (1894), su primera composición orquestal madura escrita a los 32 años, basada en un poema del escritor simbolista Stéphane Mallarmé.

PRELUDIO A LA SIESTA DE UN FAUNO

Noctámbulo y asiduo a los ambientes de café, de escasos recursos económicos y con variados problemas personales, Claude Debussy atravesó periodos de depresión y otros de auge y notoriedad pública. El progresivo distanciamiento de sus padres o la ruptura de su compromiso con Thérèse Roger (la intérprete que estrenó "La Démoiselle élue" y "Proses lyriques"), no impidieron su ritmo de trabajo febril. Así, de 1892 a 1894 datan sus creaciones más reveladoras, todas para orquesta.

Del plan inicial que trazara de preludio, interludio y paráfrasis, sólo subsiste la primera parte en su Preludio a la siesta de un fauno (Prélude à l'après-midi d'un faune en francés), basado en un poema bucólico de Stéphane Mallarmé que también fue ilustrado por el pintor impresionista Manet. Fue estrenado el 22 de diciembre de 1894, en uno de los conciertos de la "Société Nationale de Musique". En 1912 el bailarín ruso Vaslav Nijinsky, con el patrocinio del empresario de ballets, Sergei Diághilev, lo coreografió e interpretó por primera vez en versión para ballet.

Las novedades que la obra presentaba eran muchas. En primer lugar, una orquestación peculiar con sólo 3 flautas, 2 oboes (mutado uno en corno inglés), 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas y dos arpas sumadas a la formación de cuerda. Ni trompetas, ni trombones, ni percusión, nada que le alejara de la sonoridad perseguida, tenue y vaporosa. Destaca además la estructura de la composición: seis partes de longitud desigual dominadas por el solo de flauta inicial (très modéré), que es expuesto luego con una armonización leve y después completa. Una segunda parte presenta un segundo motivo en el oboe y conduce a una atmósfera de mayor animación. Después, en la tercera, clarinete, oboe y cuerda presentan un elemento melódico nuevo, de gran emotividad y lirismo (même mouvement et très sostenu). La cuarta parte retoma el primer tema transformado rítmicamente. Después el tema se reexpone y se esquematiza en una especie de coda final. Por primera vez, Debussy se apartaba totalmente de la estética establecida, de cualquier obligación tonal, y toma a su antojo los recursos para expresar esa impresión general que en él dejó el poema de Mallarmé.

MAURICE RAVEL

(Ciboure, Labort, 7 de marzo de 1875 – París, 28 de diciembre de 1937) Fue un compositor francés del siglo XX. Su obra, frecuentemente vinculada al impresionismo, muestra además un audaz estilo neoclásico y, a veces, rasgos del expresionismo, y es el fruto de una compleja herencia y de hallazgos musicales que revolucionaron la música para piano y para orquesta. Reconocido como maestro de la orquestación y por ser un meticuloso artesano, cultivando la perfección formal sin dejar de ser al mismo tiempo profundamente humano y expresivo, Ravel sobresalió por revelar «los juegos más sutiles de la inteligencia y las efusiones más ocultas del corazón» (Le Robert).

 

 

DAFNIS Y CLOE “SUITE No. 2” DE MAURICE RAVEL

Una gran parte del trabajo orquestal de Ravel se encuentra en el ballet “Dafnis y Cloe”, que le ocupó, junto con otros proyectos, de 1909 a 1912. Comisionado por Diaghilief para los Ballets Russes, con esta obra le brindó un notable cambio a la temática de su compañía, cuyas producciones más originales hasta entonces habían sido los primeros dos ballets de “El Pájaro de Fuego” y “Petruchka”, basados en el folklore ruso. El escenógrafo fue Michel Fokine, también autor de la coreografía que derivó del pastoral atribuido a Longus. Para esta obra, Ravel escribió algunas de las páginas más bellas de la música del siglo veinte, en una escala mayor a la habitual en él, con detalles meticulosamente cuidados como siempre. El exquisito artificio de esta partitura presenta un lirismo altamente melódico.

La primera representación con la compañía de Diaghiliev tuvo lugar una vez más en el Théatre du Chatelet el 8 de junio de 1912, con Nijinsky y Karsavina en los papeles principales, bajo la batuta de Pierre Monteux. Es lógico que sobreviviera en el teatro, aunque Ravel posteriormente compuso dos suites orquestales con esa misma partitura y abarcando la mayor parte de la música del ballet. La Suite No. 2 data de 1913 y abre con “Reveille du Jour”, mágico retrato de la salida del sol y el despertar de la tierra, para continuar con “Pantomima” y una poderosa “Danza General”

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